Si quieres saber más sobre esta pintora pincha en el siguiente ENLACE
miércoles, 23 de febrero de 2011
¿Morisot y Farrenc? por M. ª Jesús Astorga
La respuesta es: sí, mucho. Ambas son mujeres francesas que han vivido en el s. XIX. Louise nace en 1804 y Berthe en 1841. Sus trayectorias vitales tienen en el arte una arteria común. Fueron muy brillantes cada una en un área, mientras que Louise era pianista virtuosa, profesora del Conservatorio de París, editora y compositora, Berthe se inclinará por la pintura como forma de expresión de sus sensaciones y su entorno vital.
Sus trabajos las distinguen como muy buenas profesionales cada una en su medio pero el olvido se ha cebado con ambas.
Berthe nace en el seno de una familia burguesa y culta que educa en la sensibilidad y puede ejercitar su temprana vocación. A los 20 años conoce al pintor Corot y se hará su discípula. Le interesa la pintura al aire libre y se integra dentro de la corriente impresionista desde 1864. Morisot junto con otras pintoras como Mary Cassatt, Eva Gonzalez y Marie Braquemond fue relegada a la categoría de “artista femenina”, por pintar escenas cotidianas de mujeres, niños, interiores domésticos, es decir: su mundo, lo inmediato, siguiendo la doctrina impresionista. Tratando los mismos temas que sus colegas masculinos en ellos estos asuntos eran valorados de forma distinta lo que aleja a estas pintoras de la notoriedad que disfrutaron sus compañeros. La vitalidad de las obras de Morisot, su frescura y ese toque de intimo recogimiento es lo que nos ha impulsado a relacionarlas con el trío de Louise Farrenc.
lunes, 21 de febrero de 2011
domingo, 20 de febrero de 2011
JEANNE LOUISE FARRENC (1804-1875)
La actividad musical de esta compositora francesa, no sólo se centró en la creación de obras musicales de diferentes géneros. Su faceta pedagógica, en el Conservatorio de París, investigadora y ejecutante de piezas de música para teclado de siglos anteriores con criterios historicistas, son otros aspectos que no se pueden obviar. Hermana del célebre escultor August Dupont, Jeanne Louise se crió en el seno de una familia de pintores. Su talento le permitió ingresar en la misma institución en la que posteriormente desarrollaría su labor pedagógica, recibiendo lecciones de composición y orquestación con el compositor Antonin Reicha. Su catálogo de obras incluye música para piano, música orquestal y música de cámara. De hecho parte de su producción obtuvo en su momento una gran reconocimiento internacional, incorporándose en muchos casos a los programas de los conservatorios o encargándose sucesivas reediciones. En este sentido, la aportación de Farrenc resulta excepcional en una época en la que el reconocimiento de la labor de las mujeres dentro de la música, prácticamente se limitaba a su papel como intérpretes y/o como compositoras de música menor (música de teatro, de salón, etc.). Su pieza Noneto, op. 38, estrenado en su día por el gran violinista Joachim, junto con el resto de piezas de música de cámara (sonatas, tríos, quintetos, sextetos, etc.) y el repertorio pedagógico, constituyen la parte de su obra más difundida.
Las mujeres y la música, de Patricia Atkins.
martes, 15 de febrero de 2011
miércoles, 2 de febrero de 2011
Por tí doblan las campanas
©juanluisgx
POR TÍ DOBLAN LAS CAMPANAS
BELÉN ORDÓÑEZ
Composición basada en el siguiente texto de JOHN DONNE (1.572-1.631)
“ Nadie es una isla,
completo en sí mismo;
cada hombre es un pedazo de continente,
una parte de la tierra;
si el mar se lleva una porción de tierra, toda Europa queda disminuida,
como si fuera un promontorio,
o la casa de uno de tus amigos,
o la tuya propia.
La muerte de cualquier hombre me disminuye porque estoy ligado a la humanidad;
por consiguiente nunca digas por quién doblan las campanas:
doblan por ti.”
martes, 1 de febrero de 2011
Mujeres instrumentistas, de Mar Norlander
En el siguiente blog, MUJERES INSTRUMENTISTAS, de Mar Norlander podéis encontrar una recopilación muy interesante de artículos y reseñas sobre compositoras e intérpretes, clasificadas por instrumentos. Desde aquí felicitamos a su autora y agradecemos que nos haya permitido publicarlo aquí.
Muchas gracias, Mar.
domingo, 30 de enero de 2011
Germaine Tailleferre, por Fernando Pariente
"Como Cecile Chaminade, tiene una oposición paterna que le dificulta su acceso al conservatorio. En 1904 se matricula por fin en el Conservatorio de París, donde recibirá clases de Ravel y Koechlin. Gana un premio en solfeo, lo que le servirá como bálsamo en su relación con su padre, aunque sigue sin pagarle las clases. La joven Germaine en un gesto de rebeldía, y tal vez, de venganza cambia su apellido de nacimiento Taillefesse por el que la llevaría a la inmortalidad, Tailleferre.
A los 21 años conoce a Georges Auric, Darius Milhaud y Arthur Honegger en las clases de contrapunto. Se empieza a mover dentro del ambiente de la bohemia de Montmartre y Montparnasse con escritores, pintores y escultores de la vanguardia. Uno de ellos, Cantore, se casará con su hermana.
En el conservatorio sigue destacando y obtiene al año siguiente los premios de Armonía y de Contrapunto y dos años después en Fuga. También obtiene el premio de Acompañamiento, que años atrás había obtenido también Debussy.
Dos años más tarde conoce a dos grandes genios de la pintura; Picasso y Modigliani, en cuyos talleres, con Poulenc y Durey, los “Nouveaux Jeunes”, dará un concierto con obras suyas, entre ellas Jeux de plein air y Sonatina para cuarteto de cuerdas.
En 1923 la princesa Edmond de Polignan impresionada por una obra primeriza, su Ballet “Le Marchand d’Oiseaux” le encarga un Concerto para piano, respetando el estilo neo-clásico de esa obra.
En esta época estrecha su relación con el vasco Maurice Ravel, al que había conocido pocos años antes en su tierra, en San Juan de Luz, al lado de la playita de Biarritz (algún día os contaré mis aventuras en esa playa…).
Ravel es un impulsor de todo el grupo de Los Seis y a Germaine le insiste para que se prepare el Prix de Rome, cosa que acabará por no hacer. Esta relación fue muy intensa hasta que en 1930 se cortó de repente sin que hayan llegado a nosotros las razones.
En 1925, en plenos “felices años 20” se casa con el dibujante de caricaturas Ralph Barton. Los dos años siguientes se traslada con él a Estados Unidos, nada menos que a Manhattan. De esa época es una de sus obras más conocidas. El Concertino para Arpa, dedicada a su marido. Un visitante frecuente de su casa era Chaplin.
Dos años más tarde regresan a Francia. Su primer matrimonio fracasa el mismo año del crack bursátil. Su ex marido se suicida al poco de regresar a Estados Unidos. Sus Seis Canciones Francesas (Six Chansons Françaises) dejan traslucir su estado tras el divorcio. Germaine utiliza para las canciones textos del período comprendido entre los siglos XV y XVIII, que tratan sobre la condición femenina. Cada obra está dedicada a una amiga. Me encantaría poner los textos, pero este post ya veo que va a ser largo así que me “cortaré un poco”.
En 1931 se dedica a la composición de su obra Zoulaina, de la que sólo se conserva la Obertura (una de sus piezas más conocidas) Ese mismo año da a luz a su única hija, Françoise. Unos meses después se casará en segundas nupcias con el abogado Jean Lageat, padre de su hija."
Para conocer más sobre esta compositora PINCHA AQUÍ
Fernando Pariente
Amy Marcy Beach, por Yaiza Fierro
Amy Beach (1867-1944) fue una compositora y pianista estadounidense, famosa por ser la primera mujer americana en componer una sinfonía, y el impulso para que otras mujeres pudiesen interpretar sus composiciones.
Su madre la enseñó a tocar el piano, dando su primer recital a los siete años. Debuta profesionalmente en 1883. Dos años después toca con la Orquesta Sinfónica de Boston. Cuando contrae matrimonio, limita sus conciertos, dedicándose exclusivamente a la composición. Al enviudar, viaja por Europa, presentando sus composiciones. Cuatro años después, vuelve a Boston para dar conciertos y componer, completando sus trescientos trabajos, todos publicados e interpretados. Algunos tan importantes como su Gaelic Symphony, la Misa en mi bemol e incluso una pieza para cuatro manos, Summer Dreams.
Además de esta biografía, Yaiza nos cuenta algunas características de la pieza que está preparando:
La pieza Allegro Appassionato pertenece al romanticismo tardío, ya que tiene pasajes muy expresivos; además de colocación romántica de los reguladores. Es una obra sin opus, y tampoco se ha podido encontrar el año en que fue compuesta. En 1998, Hildegard Publishing Co. la publicó junto con otras dos piezas para cuatro manos. Está compuesta en Fa # m, aunque luego module a su homónimo. Tiene la siguiente forma ABA’B’C, y sus partes son éstas: del compás 1 al 18, del 19 al 45, del 46 al 61, del 62 al 77, y del 77 al 97.
Beach fue una representante principal del romanticismo tardío. Fue una compositora armónica que recogió elementos de Brahms y de Wagner, así como de Debussy. Su estilo se centra en la melodía, con amplios desarrollos y complejas armonías. A partir de 1920 su música evolucionó hacia un uso progresivo del cromatismo y la disonancia con fines expresivos.
Algunos de los acontecimientos más importantes de su época fueron la I y II Guerra Mundial, en los que su país participó.
En 2006 salió a la venta un disco con canciones suyas, interpretadas por Patrick Mason (barítono) y Joanne Polk (piano).
Yaiza Fierro, 2º EP de Piano
Nuestros alumn@s
Inauguramos una nueva sección con las aportaciones y propuestas de nuestros alumn@s. Bienvenidos.
Comenzamos esta sección con una excelente presentación realizada por Federico, alumno de 3º de enseñanzas elementales de Fagot. El pasado 13 de diciembre, Federico ha realizado la siguiente presentación de otro de nuestros autores más queridos, Federico García Lorca:
Buenas tardes a todos:
Me llamo Federico y soy alumno de tercer curso de fagot en este conservatorio. En esta primera audición debo hablarles de Federico García Lorca.
Cuando mi profesora Estela Rodríguez m asignó esta tarea me pregunté: ¡¡Qué tiene que ver este personaje con la música? ¡Pero si Federico García Lorca era un poeta!!
Confieso que me sorprendió mucho pero al mismo tiempo pensé: si Estela me lo ha dicho será por algo; y empecé a investigar. Y he aquí que rápidamente salí de las dudas.
Es cierto que Federico García Lorca era un escritor brillante, al que se le considera en nuestros días como el poeta y el escritor que más ha influido en la literatura española del siglo XX. Sus temas más importantes son el amor y la muerte.
Nació en un pueblo de Granada en 1898 y murió en agosto de 1936. Formó parte de la generación del 27. Murió ejecutado en la Guerra Civil Española por ser republicano y abiertamente homosexual. Su cuerpo aún no se ha encontrado.
Pero además de todo esto a Federico García Lorca se le considera también el poeta de la música. Voy a señalar cinco aspectos que unen a este escritor con la música y que he podido conocer gracias al trabajo que me encomendó Estela.
Primero:
Desde pequeño le gustaba la música y fue su madre, maestra de profesión, la que le inculcó el amor por la música: oían juntos las canciones andaluzas en el gramófono mientras su tío Luis García tocaba el piano. Su primer libro lo dedicó a su profesor de música, Antonio Segura.
Segundo:
De joven aprendió a tocar la guitarra y empieza a enamorarse de la música flamenca a la que considera la creación más importante hecha en España. Unos años después se aleja de la música popular para x a la música clásica. Más adelante, su profunda amistad con el guitarrista Manuel de Falla hace que vuelva a interesarse por la música popular, en especial el folklore andaluz y el cante jondo. Su pasión por el flamenco le impulsa a ser el promotor del primer concurso de cante jondo de Granada. Da conferencias explicando las raíces de este arte.
Tercero:
La música inspiró su obra ya que muchos de sus poemas hacen referencia al cante jondo y al ambiente donde éste está más presente. Por ejemplo, sus Poemas del Cante Jondo están escritos en 1921.
Cuarto:
Muchos de sus poemas han sido convertidos en canciones, al menos he encontrado 150 con intérpretes muy diversos, algunos españoles como Víctor Manuel, Serrat ..., otros extranjeros como Fito Páez.
Quinto:
Por último, su obra ha dado lugar a varias óperas. Por ejemplo, Bodas de Sangre, que se estrenó en 1933 en Madrid o Yerma o La Zapatera Prodigiosa.
Federico Bonorino, 3º EE de Fagot, 10 años.
miércoles, 26 de enero de 2011
Nueva convocatoria de ensayos "Mujeres Creadoras"
Nueva convocatoria "Mujeres Creadoras"
Jueves, 3 de febrero de 2011, a las 10:30h
Auditorio Ángel Barja
miércoles, 12 de enero de 2011
Convocatoria de profesores
Próxima reunión "Mujeres Creadoras 2011"
Miércoles, 26 de enero de 2010, 10h
Sala de estudio
sábado, 18 de diciembre de 2010
Música para todos, razones para creer.
Es bonito formar parte de un proyecto teniendo la sensación de que no se es el único ingenuo que se deja conmover por una representación de algo hermoso, de algo significativo. Porque Música para Todos escenifica una idea profunda de forma muy sencilla.
Sí, también es un proyecto didáctico musical, y un regalo de muchos y para muchos, en diversos frentes. Es el regalo de la música que se hace porque sí, porque es necesaria. Es música que se comparte con ese joven público al que queremos formar como futuros melómanos. Las caras de los cinco niños coprotagonistas de la fiesta de hoy indican que realmente el alumno que ve subido en el escenario a su profesor se identifica con él, y quizá mañana, cuando se siente con la guitarra o el fagot en sus manos, quiera dedicarle algo más que los quince minutitos de rigor. Pero no es solamente eso; porque no se trata de un espejo personal: el profesor no está solo. Forma parte de un grupo que colabora, de personas que actúan en dúos y tríos, que ensayan y se ilusionan eligiendo obras para interpretar ante los alumnos o al encontrar una fotografía para el montaje o un verso para el guión.
También es hermoso el vernos temblar imperceptiblemente, sintiendo el peso de la responsabilidad de tocar ante el público más exigente. Pues nadie mejor que un alumno puede decirte "profe, tú me dices que haga tal cosa y en el concierto estabas haciendo todo lo contrario".
Música para Todos no es un proyecto perfecto. La capacidad de reinventarse y ser originales requiere volver a empezar una y otra vez; algo que no siempre es fácil. Pero sus cuatro años de existencia nos han ayudado a conocernos mejor, a integrar fácilmente a profesores interinos y otras aves de paso que, de otro modo, no habrían convivido con nosotros o no de la misma forma. Y compartir lo más sagrado para nosotros a través de esa música que nos ha atrapado en su vuelo y hemos querido descubrir a los demás.
GRACIAS, pandilla
Elisa Rapado
martes, 14 de diciembre de 2010
EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA - MIGUEL ESCANCIANO, NARRADOR
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Miguel Escanciano, pone la voz en el espectáculo EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA, del grupo de trabajo MÚSICA PARA TOD@S, de profesores del Conservatorio de León, que se representará el jueves 16 de diciembre´10 en el Auditorio Ciudad de León.
viernes, 10 de diciembre de 2010
¿Qué es El maleficio de la mariposa?
El título de este concierto se debe a una obra de teatro que Lorca realizó en 1920 y que fue un sonado fracaso. Lejos de desanimarle, esto le produjo unas enormes ganas de seguir trabajando. Nuestro recuerdo a Lorca pretende estimular el gusto por la poesía y por la escucha de la música como forma de enriquecimiento personal. Música y poesía le darán a Lorca un gran impulso vital y nosotros queremos transmitiros parte de esas sensaciones como forma de acercamiento a su genio.
Desde pequeño, Federico está dotado de una sensibilidad a flor de piel que le hace tener inclinación por la música, la pintura y la literatura, fue tan creativo que utilizó todas las vías artísticas para expresar lo que tenía dentro.
Nuestro recital recorre los distintos ambientes por los que Lorca ha pasado y que nos ayudarán a conocerle mejor. Preparad pues, un viaje por Andalucía, Francia, Nueva York, Argentina y como no un regreso, a España.
Profesores de "Música para todos"
Entradas "El maleficio de la mariposa"
A partir del 13 de diciembre ya podéis recoger en la Conserjería de nuestro centro las entradas para nuestro próximo maleficio. Os esperamos y deseamos que esta experiencia sea de vuestro agrado.
miércoles, 1 de diciembre de 2010
Información importante profesores: Nuevos ensayos
Aviso de nuevos ensayos:
MARTES, 14 DE DICIEMBRE DE 2010, 10:30h. SALA DE AUDICIONES
Cierre del repertorio de "Mujeres creadoras", las cuestiones didácticas y la puesta en escena.
MIÉRCOLES, 15 DE DICIEMBRE DE 2010, 10:30h. AUDITORIO ÁNGEL BARJA
Ensayo general "El maleficio de la mariposa"
JUEVES, 16 DE DICIEMBRE DE 2010, 10:00h. AUDITORIO "CIUDAD DE LEÓN"
Ensayo general "El maleficio de la mariposa"
"El maleficio de la mariposa", programa y horarios
Lugar: Auditorio "Ciudad de León"
Concierto para alumnos de los centros educativos: 12:00h
Concierto para la comunidad educativa del conservatorio y público en general: 19:00h
Puedes descargar el contenido del programa y el cartel, diseñados por Juan L. García AQUÍ
miércoles, 24 de noviembre de 2010
Actividades "El maleficio de la mariposa"
Aquí podéis descargar la propuesta de actividades de nuestro próximo concierto "El maleficio de la mariposa" Impresiones lorquianas
domingo, 21 de noviembre de 2010
Dossier educativo "El maleficio de la mariposa"
A través del siguiente enlace podréis descubrir los poemas, la contextualización histórica y las biografías de los compositores que han dado lugar a esta experiencia estética
DOSSIER "EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA" por M. ª Jesús Astorga
¡No te olvides, esperamos tu opinión!
ENCUESTA DE VALORACIÓN PROFESORES
ENCUESTA VALORACIÓN ALUMN@S
Muchas gracias por tu atención
domingo, 14 de noviembre de 2010
Información importante para los profesores participantes en "Música para todos"
PRÓXIMAS REUNIONES:
MUJERES CREADORAS: 30 de noviembre´10 - Sala de Estudio - 10h
Presentación de propuestas
EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA: 15 de diciembre´10 - Auditorio Ciudad de León - 10h
Ensayo general
En el presente curso aprovecharemos este espacio como Tablón de Anuncios de la información más relevante
Bienvenida curso 2010/2011
Estimados amig@s:
Otro año más nos volvemos a reunir en este espacio para continuar con mucho entusiasmo con nuestro proyecto de Conciertos Didácticos. Comenzaremos nuestra actividad con la reedición de uno de nuestros conciertos más queridos "El maleficio de la mariposa". Aquellos que hayáis visitado este blog ya habréis podido comprobar alguno de nuestros recientes ensayos. En breve, publicaremos más información sobre este evento: información, actividades, etc. Como siempre, desde aquí mostramos toda nuestra gratitud a todos aquellos que visitáis este espacio y apoyáis nuestro proyecto. Feliz curso 2010/11.
Conchi de Castro
jueves, 11 de noviembre de 2010
VUELVE "EL MALEFICIO DE LA MARIPOSA"
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MÚSICA PARA TOD@S vuelve a escena con la reposición el próximo jueves 16 de diciembre´10 del concierto dedicado a Federico García Lorca
Este concierto se gestó durante el curso 2008/09, en el apartado dedicado a la Música y la Poesía, y este curso lo llevaremos al escenario del Auditorio Ciudad de León el jueves 16 de diciembre´10 en sesión doble: por la mañana para alumnos de bachillerato, y por la tarde para público en general.
Puedes acceder a toda la información publicada hasta ahora en
domingo, 23 de mayo de 2010
J. C. MESTRE - APUNTE DE ALFONSO GARCÍA EN EL SUPLEMENTO "EL FILANDÓN" DE EL DIARIO DE LEÓN 23.05.10
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Artículo de Alfonso García en el suplemento EL FILANDÓN del Diario de León del domingo 23 de mayo´10. Puedes leerlo en el siguiente enlace:
( Diario de León - 23/05/2010 )
miércoles, 5 de mayo de 2010
LATIDOS DE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10
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Ya puedes ver las fotos del ensayo en el Auditorio Ciudad de León del concierto del Proyecto de Innovación Educativa "Música Para Tod@s" que lleva a cabo un grupo de profesores del Conservatorio Profesional de Música de León, dedicado a la Música y la Poesía: "Latidos desde la casa roja" en torno a la poesía de Juan Carlos Mestre.
miércoles, 28 de abril de 2010
Programa Latidos desde la Casa Roja
ENTRADAS DISPONIBLES PARA ALUMNOS Y PADRES (2 POR ALUMNO) EN LA CONSERJERÍA DE CONSERVATORIO
Descarga el programa en pdf
Latidos desde la Casa Roja -CONVOCATORIA
Información muy importante
Primera convocatoria: AUDITORIO ÁNGEL BARJA 12,30H
Segunda convocatoria:AUDITORIO CIUDAD DE LEÓN 19,00H
Entradas disponibles en la conserjería del conservatorio, exclusivamente para la sesión de la tarde.
Elgar y Mompou, por Héctor Sánchez
Héctor Sánchez, piano
EDWARD ELGAR Y SU CHANSON DE NUIT
Sir Edward William Elgar (1857 - 1934) fue un compositor británico. De niño siempre estuvo rodeado de partituras e instrumentos en la tienda de música de su padre. Era un apasionado ciclista, y en los días cálidos de verano llevaba manuscritos al campo para estudiarlos, comenzando así una fuerte asociación entre música y naturaleza. Como él mismo diría, "Hay música en el aire, música alrededor nuestro, el mundo está lleno de ella y simplemente tomas la que necesitas". Estudió piano y violín, y a los 16 años ya impartía clase de estos dos instrumentos, esperando hasta pasar los 20 para empezar a componer. A los 32 años se casó con Caroline Alice Roberts, autora de poesía y prosa de ficción, y a sus 42 años, con el estreno de las "Variaciones Enigma", Elgar fue reconocido como el mejor compositor británico de su generación.
Fruto de su apasionada relación con la naturaleza es la pieza que nos ocupa, Chanson de Nuit, Op. 15 No. 1, compuesta para violín y piano, y más tarde orquestada por el propio Elgar. Dedicada a F. Ehrke, esta bella obra se publicó en 1897 junto a su compañera, Chanson de Matin, y se cree casi con seguridad que fue compuesta en 1889 o 1890.
LA MÚSICA CALLADA DE FEDERICO MOMPOU
Frederic Mompou i Dancausse (1893 - 1987) fue un compositor español conocido principalmente por sus composiciones para piano solo. Estudió piano en el Conservatorio del Liceu de Barcelona y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años. En 1909 escuchó a Gabriel Fauré interpretar su Quinteto op. 59 y quedó tan impresionado que decidió ser compositor. Con una recomendación de Enrique Granados fue a París en 1911 para estudiar piano, y entonces compuso su primera pieza. Desde el comienzo su ideal estético estaba claro: la máxima expresión con los mínimos medios. Ya en España, siendo jurado de un concurso de piano, fue arrollado por la pasión de la interpretación que Carmen Bravo hiciera del concierto de Schumann, y en 1957 contrajo con ella matrimonio.
Mompou era un miniaturista en sus obras, delicadas e íntimas, casi siempre breves y de una música relativamente improvisada. Según él mismo, era «un hombre de pocas palabras y un músico de pocas notas».
La Música callada es un conjunto de 28 pequeñas piezas, agrupadas en cuatro cuadernos que fueron publicados en 1959, 62, 65 y 67, respectivamente. El título está tomado del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz, concretamente de esos conocidos versos “… la música callada / la soledad sonora…”, que inspiraron a Mompou en su ideal "una música que sea la voz del silencio", sin huecos ni adornos. Esta música está presidida por la intimidad, la concisión, la sobriedad de medios. Es música para escuchar sin prisas. En estas piezas la expresión está concentrada en formas muy pequeñas, y en muchas de ellas toma melodías del folklore catalán, adaptándolas a su peculiar mundo sonoro. Sus acordes evocan a menudo el sonido de las campanas de bronce, recuerdo infantil de la fábrica de campanas en la que trabajaba su abuelo.
martes, 27 de abril de 2010
LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - CONCIERTO DE MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10
LATIDOS DESDE LA CASA ROJA, originally uploaded by juanluisgx
Cartel para el concierto LATIDOS DESDE LA CASA ROJA de música y poesía con Juan Carlos Mestre, del Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S" del Conservatorio Profesional de Música de León, diseño de juanluisgx sobre una ilustración original de Juan Carlos Mestre.
Puedes ver el programa (y descargarlo, o reenviarlo, o imprimirlo, o difundirlo...)
martes, 20 de abril de 2010
domingo, 18 de abril de 2010
Tardes en los Jerónimos, de Pablo Geijo.
En recuerdo de Antonio Pereira
Algunas anotaciones sobre el joven compositor Pablo Geijo, autor de Tardes en los JerónimosNace en Madrid (1980). A sus dieciocho años ingresa en el “Conservatorio Profesional de Música de León” donde recibe clases de la pianista Belén Ordóñez. En 2004 pasa a realizar sus estudios de composición en el “Conservatorio Superior de Música de Oviedo” bajo la tutela de los profesores V. Leoncio Diéguez, Fernando Aguería, Fernando López, Pablo Ortega y Miguel Gil en la especialidad de Composición para Medios Audiovisuales y obteniendo las máximas calificaciones.
Ha realizado cursos de composición con profesores como Cristóbal Halffter, Sánchez Verdú, Alfredo Aracil, Tomás Marco, José Manuel López López y de dirección de orquesta con Enrique García Asensio.
En su experiencia como compositor caben destacar los estrenos de su primer “Cuarteto de cuerda” en el Pforzheimer Hall de la Manhattan School of Music de Nueva York (2006); la “Suite para Clarinete Violonchelo y Piano” en el Campus Auditorium de la Universidad de Indiana (2009); la canción para piano y voz “Hubo un tiempo” encargada para el primer acto público en León del Premio Cervantes (2006), Antonio Gamoneda, realizada a través de uno de sus poemas; la “Sonatina para Piano” interpretada por “Belén Ordóñez en el Auditorio ciudad de León” (2007).
Dentro su experiencia profesional ha sido teclista de diferentes agrupaciones de música moderna así también como arreglista donde destaca su labor en el programa de televisión “Rumbo a la Fama” (2008) Desde el año 2006, Pablo Geijo ejerce como docente en la Escuela Municipal de Música de Valencia de Don Juan en las asignaturas de Piano, Lenguaje musical y Conjunto Instrumental.
Músicos, por M. ª Jesús Astorga
María Jesús Astorga
Máximo D. Pujol y la Suite Buenos Aires
Nace en Buenos Aires en 1957, estudia en el Conservatorio y dispone de una sólida formación clásica. Su vida musical está dedicada tanto a la guitarra como a la composición. Sabe captar el espíritu de lo popular y del folklore y los combina con los sonidos del tango y de la música de tradición europea. Sus obras gozan de gran popularidad y en concreto en lo escuchado en este concierto podemos comprobar su maestría. La Siute Buenos Aires es todo un homenaje a la ciudad que le vió nacer y logra hacernos sentir el ambiente de los distintos barrios con una intensidad tall que han hecho de esta obra un clásico de la música realizada en Argentina.
Erik Marchelie y el Tango
Músico francés, nacido en 1955, compositor y guitarrista realiza música para el instrumento en combinación con otras agrupaciones extrayendo todas sus posibilidades sonoras. En este caso escuchamos un Tango que reúne la devoción que el autor manifiesta por este tipo de música con un profundo toque nostálgico.
W. A. Mozart y el cuarteto KV 370
Nacido en Salzburgo en 1756 y fallecido en Viena en 1793, es el músico más reconocido de todos los tiempos. Niño prodigio tanto como pianista como al componer obras en plena infancia, sorprenderá a sus contemporáneos siendo capaz de estrenar una opera a los 13 años. Es un ejemplo del clasicismo musical vienés realizando una música llena de logros técnicos y de recursos del gusto general del público. Cultivó todos los géneros compositivos: Opera, Sinfonía, Concierto, Religiosos (misas, motetes..) y la Música de Cámara y en todos legó obras maestras que la posteridad no ha superado.
La pieza que escuchamos es un Cuarteto para cuerda y oboe ( que ha sido sustituido por la flauta en esta ocasión) y que es una obra de salón. Realizada para ser disfrutada en las veladas de Viena que frecuentaban los nobles en sus salones y tiene la forma Sonata característica de este tipo de piezas. El tempo Adagio en un sosegado diálogo entre los instrumentos que los permite disfrutar la alegría del clasicismo musical.
Ernest Bloch, por Eva M. ª Rodríguez y Mariló Gutiérrez
Eva Mª Rodríguez (cello) y Mariló Gutiérrez (piano)
ERNEST BLOCH (Suiza, 1880-Estados Unidos 1959)
Pablo Casals, uno de los músicos más grandes de todos los tiempos calificó a Ernest Bloch como “el mejor compositor de nuestro tiempo”.
Quizá en la actualidad no goza de todo el reconocimiento que merecería por el olvido en el que ha caído su obra: es hora pues de devolver sus composiciones a nuestros oídos para descubrir que Bloch fue un poeta de la música.
Nacido en Ginebra (Suiza), estudió violín y composición. Se decantó por la composición, y a lo largo de su vida fue desarrollando un lenguaje musical muy personal , pese a las tempranas influencias de R. Strauss y Cl. Debussy.
En sus obras de madurez encontramos que busca la inspiración en la liturgia y la música folclórica judías, afirmándose como el cantor del pueblo hebreo.
Después de la Segunda Guerra Mundial su escritura es más variada estilísticamente: interés por el neoclasicismo, elementos atonales, cuartos de tono..., sin que desaparezca del todo la esencia romántica que caracteriza a su música.
La última parte de su vida transcurrió en Estados Unidos, (país del que adoptó la nacionalidad) trabajando como profesor en diferentes instituciones y conservatorios.
Pero quizá lo más importante de todo, es que sus composiciones hablan con una voz independiente alejada de cualquier escuela y sistema, buscando un fin que se traduce en la sinceridad y la verdad, y en la creencia de que existe una dimensión filosófica, espiritual y poética de la música.
viernes, 16 de abril de 2010
Latidos desde la Casa Roja
Dentro de nuestra actividad anual dedicada a la Música y la Poesía, hemos querido acercarnos al universo de Juan Carlos Mestre, en sus facetas de poeta e ilustrador. Su poesía será el hilo conductor de este concierto que tendrá lugar el martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León. Con la voz, profunda y generosa de este autor, Premio Nacional de Poesía 2009, descubriremos la belleza de la palabra y la música, además de:
Conocer y difundir un repertorio musical, de carácter evocador en el que se incluyen compositores de diversos estilos.
Dotar de significado la asistencia a un concierto relacionando el contenido del mismo con la animación a la lectura.
Implicar de manera directa a los oyentes en una escucha activa y crítica.
Favorecer los procesos de reflexión sobre la relación entre texto y música como medio de expresión propio del ser humano.
© Conchi de Castro
Metamorfosis II, para piano
En este lugar criminales serbios quemaron la noche del
25 al 26 de agosto de 1992
Dos millones de libros.
La hierba seguirá creciendo sobre la tumba de Izet Zarajlic
Alguien dejará su pañuelo sobre la tumba de Wilde.
Otro acercará su pido al río que pasa bajo los ojos de Pasternak.
En ese lugar Nina y Raza esperan el tranvía numero 6.
Eugen Suchon, por Belén Ordóñez
Belén Ordóñez, piano
EUGEN SUCHON
(Pezinok 1908 – Bratislava 1993)
Durante muchos años Suchon fue el padre de la música de Eslovaquia, permaneciendo fiel a la herencia de la cultura nacional eslovaca, sin abandonar la búsqueda de la expresión individual a través de la música.
Su vida abarcó el período comprendido entre el final del Imperio de los Habsburgo durante la creación de Checoslovaquia y el establecimiento de la República Checa independiente, En su obra “Metamorfosis” (1953) describe el papel de Eslovaquia durante la guerra.
Con la muerte de Eugen Suchon, Eslovaquia ha perdido el último miembro de la generación de compositores que crearon una identificación de la música eslovaca, compositores románticos del siglo XIX y de la escuela del nacionalismo checo. Una generación que será mejor recordada por el triunvirato de Alexander Moyzes y Jan Cikker, de los cuales Suchon era el miembro tal vez más influyente.
Fue un hombre de gran interés cultural, que enriqueció la música de su país, influyendo en más de una generación de compositores eslovacos que vinieron después que él.
Carlos Guastavino, por Fernando Pariente
Fernando Pariente, piano
CARLOS GUASTAVINO, (1912-2002)
"Compongo música porque la amo. amo la melodía, amo cantar. Y he averiguado con placer que hay un público fuera allí muy interesado en mi música siempre que la publique. ¡Eso es fantástico! Me niego a sólo componer música pensada para ser descubierta y entendida por generaciones futuras". Carlos Guastavino.
Nacido en 1912 en Santa provincia de Fe, Argentina, Carlos Guastavino es quizás el más grande exponente de nacionalismo Romántico Argentino. Su estilo musical, firmemente arraigado al siglo XIX , ha permanecido completamente apartado del entorno musical moderno de Argentina, su aislamiento estilístico será prontamente evidente comparando los trabajos de Guastavino a aquellos de Alberto Ginastera (1916-1983), casi su contemporáneo exacto. De hecho, el aislamiento de Guastavino de los movimientos modernos y vanguardistas de su país, y su éxito al crear una música nacional atractiva que utiliza un idioma romántico, lo transformó en un modelo para la generación del `60, de autores de música popular argentina que a menudo aplicaron las innovaciones de Guastavino a su propia música.
Guastavino estudió música en Santa Fe con Esperanza Lothringer y Dominga Iaffei, y en Buenos Aires con Athos Palma. Pianista talentoso, realizó sus obras para piano en Londres, en 1947, 1948, y 1949, invitados por el BBC, y como un destinatario de una beca del Concilio británico. Durante estos años, la orquesta sinfónica de la BBC realizó la versión orquestal de sus Tres Romances de Argentinos, bajo la batuta de Walter Goehs. Después, en 1956, Guastavino recorrió la URSS y China; allí realiza sus piezas para la voz y piano.
El estilo de Carlos Guastavino muestra una clara afinidad a las ideas de los compositores nacionalistas del siglo XIX, como: Alberto Williams, Francisco Hargreaves, Eduardo García Mansilla y Julián Aguirre. La afinidad con la manera delicada e íntima de Aguirre es especialmente evidente. Así, el espíritu popular de las melodías folklóricas originales y ritmos siempre permanece intacto y fresco, incluso en los momentos de mayor complejidad rítmica, armónica o elaboración contrapuntual.(
" En un medio de desorientación y rumbos perdidos, de búsquedas desesperadas, entre tanto talento simulado, entre tanto improvisado innovador, entre tanta pretendida incomprensión, se oye en el ambiente musical argentino una voz serena e imperturbable y un canto purísimo: es la inspiración de Carlos Guastavino que permanece fiel a la música en su emotividad y lirismo y que para emocionar no necesita despliegues espectaculares o deformaciones patológicas sino una simple y clara melodía siempre inconmovible y presente en el tiempo.
Este es el milagro del músico sincero, cuya autenticidad ha hecho que sus más pequeñas obras tengan futuro. Hace ya veinticinco años se oyeron por primera vez "Pueblito mi pueblo". . .", "Se equivocó la paloma", La rosa y el sauce", "Bailecito" y tantas, tantas otras obras más que no pasaron con la moda del momento sino, al llevar en sí la voz interior de este músico sensible a su medio y capaz de expresarlo, han quedado permanentes y formarán parte de las buenas cosas que produce el espíritu de nuestro país."
miércoles, 31 de marzo de 2010
LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - JUAN CARLOS MESTRE, ARTISTA PLÁSTICO
LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA - JUAN CARLOS MESTRE, originally uploaded by juanluisgx.
La poesía de Juan Carlos Mestre será el hilo conductor del próximo concierto del "Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S"" de un grupo de profesor@s del Conservatorio Profesional de Música de León que tendrá lugar el próximo martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León.
lunes, 29 de marzo de 2010
LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA - JUAN CARLOS MESTRE
Originally uploaded by juanluisgx
Ilustración original del poeta Juan Carlos Mestre sobre un ejemplar de su libro de poesía "La Casa Roja", libro que fue galardonado el año 2009 con el Premio Nacional de Poesía que concede el Ministerio de Cultura.
La poesía de Juan Carlos Mestre será el hilo conductor del próximo concierto del "Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S"" del Conservatorio Profesional de Música de León que tendrá lugar el próximo martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León.
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