J. C. MESTRE - APUNTE DE ALFONSO GARCÍA EN EL SUPLEMENTO "EL FILANDÓN" DE EL DIARIO DE LEÓN 23.05.10

LATIDOS DE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10

Originally uploaded by juanluisgx

Artículo de Alfonso García en el suplemento EL FILANDÓN del Diario de León del domingo 23 de mayo´10. Puedes leerlo en el siguiente enlace:

J. C. Mestre

( Diario de León - 23/05/2010 )

¡Muchas gracias!

A todos nuestros amigos, muchas gracias por vuestra asistencia.

LATIDOS DE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10

LATIDOS DE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10

Originally uploaded by juanluisgx

Ya puedes ver las fotos del ensayo en el Auditorio Ciudad de León del concierto del Proyecto de Innovación Educativa "Música Para Tod@s" que lleva a cabo un grupo de profesores del Conservatorio Profesional de Música de León, dedicado a la Música y la Poesía: "Latidos desde la casa roja" en torno a la poesía de Juan Carlos Mestre.

ÁLBUM LATIDOS DE LA CASA ROJA

Programa Latidos desde la Casa Roja

ENTRADAS DISPONIBLES PARA ALUMNOS Y PADRES (2 POR ALUMNO) EN LA CONSERJERÍA DE CONSERVATORIO
Descarga el programa en pdf

Latidos desde la Casa Roja -CONVOCATORIA

Información muy importante

Primera convocatoria: AUDITORIO ÁNGEL BARJA 12,30H
Segunda convocatoria:AUDITORIO CIUDAD DE LEÓN 19,00H

Entradas disponibles en la conserjería del conservatorio, exclusivamente para la sesión de la tarde.

Elgar y Mompou, por Héctor Sánchez

Héctor Sánchez, piano

EDWARD ELGAR Y SU CHANSON DE NUIT

Sir Edward William Elgar (1857 - 1934) fue un compositor británico. De niño siempre estuvo rodeado de partituras e instrumentos en la tienda de música de su padre. Era un apasionado ciclista, y en los días cálidos de verano llevaba manuscritos al campo para estudiarlos, comenzando así una fuerte asociación entre música y naturaleza. Como él mismo diría, "Hay música en el aire, música alrededor nuestro, el mundo está lleno de ella y simplemente tomas la que necesitas". Estudió piano y violín, y a los 16 años ya impartía clase de estos dos instrumentos, esperando hasta pasar los 20 para empezar a componer. A los 32 años se casó con Caroline Alice Roberts, autora de poesía y prosa de ficción, y a sus 42 años, con el estreno de las "Variaciones Enigma", Elgar fue reconocido como el mejor compositor británico de su generación.
Fruto de su apasionada relación con la naturaleza es la pieza que nos ocupa, Chanson de Nuit, Op. 15 No. 1, compuesta para violín y piano, y más tarde orquestada por el propio Elgar. Dedicada a F. Ehrke, esta bella obra se publicó en 1897 junto a su compañera, Chanson de Matin, y se cree casi con seguridad que fue compuesta en 1889 o 1890.

LA MÚSICA CALLADA DE FEDERICO MOMPOU

Frederic Mompou i Dancausse (1893 - 1987) fue un compositor español conocido principalmente por sus composiciones para piano solo. Estudió piano en el Conservatorio del Liceu de Barcelona y ofreció su primer recital público a la edad de 15 años. En 1909 escuchó a Gabriel Fauré interpretar su Quinteto op. 59 y quedó tan impresionado que decidió ser compositor. Con una recomendación de Enrique Granados fue a París en 1911 para estudiar piano, y entonces compuso su primera pieza. Desde el comienzo su ideal estético estaba claro: la máxima expresión con los mínimos medios. Ya en España, siendo jurado de un concurso de piano, fue arrollado por la pasión de la interpretación que Carmen Bravo hiciera del concierto de Schumann, y en 1957 contrajo con ella matrimonio.
Mompou era un miniaturista en sus obras, delicadas e íntimas, casi siempre breves y de una música relativamente improvisada. Según él mismo, era «un hombre de pocas palabras y un músico de pocas notas».
La Música callada es un conjunto de 28 pequeñas piezas, agrupadas en cuatro cuadernos que fueron publicados en 1959, 62, 65 y 67, respectivamente. El título está tomado del Cántico espiritual de San Juan de la Cruz, concretamente de esos conocidos versos “… la música callada / la soledad sonora…”, que inspiraron a Mompou en su ideal "una música que sea la voz del silencio", sin huecos ni adornos. Esta música está presidida por la intimidad, la concisión, la sobriedad de medios. Es música para escuchar sin prisas. En estas piezas la expresión está concentrada en formas muy pequeñas, y en muchas de ellas toma melodías del folklore catalán, adaptándolas a su peculiar mundo sonoro. Sus acordes evocan a menudo el sonido de las campanas de bronce, recuerdo infantil de la fábrica de campanas en la que trabajaba su abuelo.

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - CONCIERTO DE MÚSICA Y POESÍA CON JUAN CARLOS MESTRE - 04.05.10

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA, originally uploaded by juanluisgx

Cartel para el concierto LATIDOS DESDE LA CASA ROJA de música y poesía con Juan Carlos Mestre, del Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S" del Conservatorio Profesional de Música de León, diseño de juanluisgx sobre una ilustración original de Juan Carlos Mestre.

Más información

Puedes ver el programa (y descargarlo, o reenviarlo, o imprimirlo, o difundirlo...)

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA PARA TOD@S 04.05.10

ÁLBUM LATIDOS DE LA CASA ROJA

PROPUESTA DIDÁCTICA - LATIDOS DESDE LA CASA ROJA

PROPUESTA DIDÁCTICA LATIDOS DESDE LA CASA ROJA
© Profesores e intérpretes

Tardes en los Jerónimos, de Pablo Geijo.

En recuerdo de Antonio Pereira


Algunas anotaciones sobre el joven compositor Pablo Geijo, autor de Tardes en los JerónimosNace en Madrid (1980). A sus dieciocho años ingresa en el “Conservatorio Profesional de Música de León” donde recibe clases de la pianista Belén Ordóñez. En 2004 pasa a realizar sus estudios de composición en el “Conservatorio Superior de Música de Oviedo” bajo la tutela de los profesores V. Leoncio Diéguez, Fernando Aguería, Fernando López, Pablo Ortega y Miguel Gil en la especialidad de Composición para Medios Audiovisuales y obteniendo las máximas calificaciones.
Ha realizado cursos de composición con profesores como Cristóbal Halffter, Sánchez Verdú, Alfredo Aracil, Tomás Marco, José Manuel López López y de dirección de orquesta con Enrique García Asensio.
En su experiencia como compositor caben destacar los estrenos de su primer “Cuarteto de cuerda” en el Pforzheimer Hall de la Manhattan School of Music de Nueva York (2006); la “Suite para Clarinete Violonchelo y Piano” en el Campus Auditorium de la Universidad de Indiana (2009); la canción para piano y voz “Hubo un tiempo” encargada para el primer acto público en León del Premio Cervantes (2006), Antonio Gamoneda, realizada a través de uno de sus poemas; la “Sonatina para Piano” interpretada por “Belén Ordóñez en el Auditorio ciudad de León” (2007).
Dentro su experiencia profesional ha sido teclista de diferentes agrupaciones de música moderna así también como arreglista donde destaca su labor en el programa de televisión “Rumbo a la Fama” (2008) Desde el año 2006, Pablo Geijo ejerce como docente en la Escuela Municipal de Música de Valencia de Don Juan en las asignaturas de Piano, Lenguaje musical y Conjunto Instrumental.

Músicos, por M. ª Jesús Astorga

María Jesús Astorga

Máximo D. Pujol y la Suite Buenos Aires
Nace en Buenos Aires en 1957, estudia en el Conservatorio y dispone de una sólida formación clásica. Su vida musical está dedicada tanto a la guitarra como a la composición. Sabe captar el espíritu de lo popular y del folklore y los combina con los sonidos del tango y de la música de tradición europea. Sus obras gozan de gran popularidad y en concreto en lo escuchado en este concierto podemos comprobar su maestría. La Siute Buenos Aires es todo un homenaje a la ciudad que le vió nacer y logra hacernos sentir el ambiente de los distintos barrios con una intensidad tall que han hecho de esta obra un clásico de la música realizada en Argentina.

Erik Marchelie y el Tango
Músico francés, nacido en 1955, compositor y guitarrista realiza música para el instrumento en combinación con otras agrupaciones extrayendo todas sus posibilidades sonoras. En este caso escuchamos un Tango que reúne la devoción que el autor manifiesta por este tipo de música con un profundo toque nostálgico.

W. A. Mozart y el cuarteto KV 370
Nacido en Salzburgo en 1756 y fallecido en Viena en 1793, es el músico más reconocido de todos los tiempos. Niño prodigio tanto como pianista como al componer obras en plena infancia, sorprenderá a sus contemporáneos siendo capaz de estrenar una opera a los 13 años. Es un ejemplo del clasicismo musical vienés realizando una música llena de logros técnicos y de recursos del gusto general del público. Cultivó todos los géneros compositivos: Opera, Sinfonía, Concierto, Religiosos (misas, motetes..) y la Música de Cámara y en todos legó obras maestras que la posteridad no ha superado.
La pieza que escuchamos es un Cuarteto para cuerda y oboe ( que ha sido sustituido por la flauta en esta ocasión) y que es una obra de salón. Realizada para ser disfrutada en las veladas de Viena que frecuentaban los nobles en sus salones y tiene la forma Sonata característica de este tipo de piezas. El tempo Adagio en un sosegado diálogo entre los instrumentos que los permite disfrutar la alegría del clasicismo musical.

Ernest Bloch, por Eva M. ª Rodríguez y Mariló Gutiérrez

Eva Mª Rodríguez (cello) y Mariló Gutiérrez (piano)

ERNEST BLOCH (Suiza, 1880-Estados Unidos 1959)
Pablo Casals, uno de los músicos más grandes de todos los tiempos calificó a Ernest Bloch como “el mejor compositor de nuestro tiempo”.
Quizá en la actualidad no goza de todo el reconocimiento que merecería por el olvido en el que ha caído su obra: es hora pues de devolver sus composiciones a nuestros oídos para descubrir que Bloch fue un poeta de la música.
Nacido en Ginebra (Suiza), estudió violín y composición. Se decantó por la composición, y a lo largo de su vida fue desarrollando un lenguaje musical muy personal , pese a las tempranas influencias de R. Strauss y Cl. Debussy.
En sus obras de madurez encontramos que busca la inspiración en la liturgia y la música folclórica judías, afirmándose como el cantor del pueblo hebreo.
Después de la Segunda Guerra Mundial su escritura es más variada estilísticamente: interés por el neoclasicismo, elementos atonales, cuartos de tono..., sin que desaparezca del todo la esencia romántica que caracteriza a su música.
La última parte de su vida transcurrió en Estados Unidos, (país del que adoptó la nacionalidad) trabajando como profesor en diferentes instituciones y conservatorios.
Pero quizá lo más importante de todo, es que sus composiciones hablan con una voz independiente alejada de cualquier escuela y sistema, buscando un fin que se traduce en la sinceridad y la verdad, y en la creencia de que existe una dimensión filosófica, espiritual y poética de la música.

Latidos desde la Casa Roja

Dentro de nuestra actividad anual dedicada a la Música y la Poesía, hemos querido acercarnos al universo de Juan Carlos Mestre, en sus facetas de poeta e ilustrador. Su poesía será el hilo conductor de este concierto que tendrá lugar el martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León. Con la voz, profunda y generosa de este autor, Premio Nacional de Poesía 2009, descubriremos la belleza de la palabra y la música, además de:
Conocer y difundir un repertorio musical, de carácter evocador en el que se incluyen compositores de diversos estilos.
Dotar de significado la asistencia a un concierto relacionando el contenido del mismo con la animación a la lectura.
Implicar de manera directa a los oyentes en una escucha activa y crítica.
Favorecer los procesos de reflexión sobre la relación entre texto y música como medio de expresión propio del ser humano.

© Conchi de Castro

Metamorfosis II, para piano

LAPIDA EN LA BIBLIOTECA DE SARAJEVO
En este lugar criminales serbios quemaron la noche del
25 al 26 de agosto de 1992
Dos millones de libros.
La hierba seguirá creciendo sobre la tumba de Izet Zarajlic
Alguien dejará su pañuelo sobre la tumba de Wilde.
Otro acercará su pido al río que pasa bajo los ojos de Pasternak.
En ese lugar Nina y Raza esperan el tranvía numero 6.

Eugen Suchon, por Belén Ordóñez

Belén Ordóñez, piano

EUGEN SUCHON
(Pezinok 1908 – Bratislava 1993)
Durante muchos años Suchon fue el padre de la música de Eslovaquia, permaneciendo fiel a la herencia de la cultura nacional eslovaca, sin abandonar la búsqueda de la expresión individual a través de la música.
Su vida abarcó el período comprendido entre el final del Imperio de los Habsburgo durante la creación de Checoslovaquia y el establecimiento de la República Checa independiente, En su obra “Metamorfosis” (1953) describe el papel de Eslovaquia durante la guerra.
Con la muerte de Eugen Suchon, Eslovaquia ha perdido el último miembro de la generación de compositores que crearon una identificación de la música eslovaca, compositores románticos del siglo XIX y de la escuela del nacionalismo checo. Una generación que será mejor recordada por el triunvirato de Alexander Moyzes y Jan Cikker, de los cuales Suchon era el miembro tal vez más influyente.
Fue un hombre de gran interés cultural, que enriqueció la música de su país, influyendo en más de una generación de compositores eslovacos que vinieron después que él.

Carlos Guastavino, por Fernando Pariente

Fernando Pariente, piano

CARLOS GUASTAVINO, (1912-2002)

"Compongo música porque la amo. amo la melodía, amo cantar. Y he averiguado con placer que hay un público fuera allí muy interesado en mi música siempre que la publique. ¡Eso es fantástico! Me niego a sólo componer música pensada para ser descubierta y entendida por generaciones futuras". Carlos Guastavino.

Nacido en 1912 en Santa provincia de Fe, Argentina, Carlos Guastavino es quizás el más grande exponente de nacionalismo Romántico Argentino. Su estilo musical, firmemente arraigado al siglo XIX , ha permanecido completamente apartado del entorno musical moderno de Argentina, su aislamiento estilístico será prontamente evidente comparando los trabajos de Guastavino a aquellos de Alberto Ginastera (1916-1983), casi su contemporáneo exacto. De hecho, el aislamiento de Guastavino de los movimientos modernos y vanguardistas de su país, y su éxito al crear una música nacional atractiva que utiliza un idioma romántico, lo transformó en un modelo para la generación del `60, de autores de música popular argentina que a menudo aplicaron las innovaciones de Guastavino a su propia música.

Guastavino estudió música en Santa Fe con Esperanza Lothringer y Dominga Iaffei, y en Buenos Aires con Athos Palma. Pianista talentoso, realizó sus obras para piano en Londres, en 1947, 1948, y 1949, invitados por el BBC, y como un destinatario de una beca del Concilio británico. Durante estos años, la orquesta sinfónica de la BBC realizó la versión orquestal de sus Tres Romances de Argentinos, bajo la batuta de Walter Goehs. Después, en 1956, Guastavino recorrió la URSS y China; allí realiza sus piezas para la voz y piano.

El estilo de Carlos Guastavino muestra una clara afinidad a las ideas de los compositores nacionalistas del siglo XIX, como: Alberto Williams, Francisco Hargreaves, Eduardo García Mansilla y Julián Aguirre. La afinidad con la manera delicada e íntima de Aguirre es especialmente evidente. Así, el espíritu popular de las melodías folklóricas originales y ritmos siempre permanece intacto y fresco, incluso en los momentos de mayor complejidad rítmica, armónica o elaboración contrapuntual.(
" En un medio de desorientación y rumbos perdidos, de búsquedas desesperadas, entre tanto talento simulado, entre tanto improvisado innovador, entre tanta pretendida incomprensión, se oye en el ambiente musical argentino una voz serena e imperturbable y un canto purísimo: es la inspiración de Carlos Guastavino que permanece fiel a la música en su emotividad y lirismo y que para emocionar no necesita despliegues espectaculares o deformaciones patológicas sino una simple y clara melodía siempre inconmovible y presente en el tiempo.
Este es el milagro del músico sincero, cuya autenticidad ha hecho que sus más pequeñas obras tengan futuro. Hace ya veinticinco años se oyeron por primera vez "Pueblito mi pueblo". . .", "Se equivocó la paloma", La rosa y el sauce", "Bailecito" y tantas, tantas otras obras más que no pasaron con la moda del momento sino, al llevar en sí la voz interior de este músico sensible a su medio y capaz de expresarlo, han quedado permanentes y formarán parte de las buenas cosas que produce el espíritu de nuestro país."

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - JUAN CARLOS MESTRE, ARTISTA PLÁSTICO

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA - JUAN CARLOS MESTRE, originally uploaded by juanluisgx.

Ilustraciones originales del poeta Juan Carlos Mestre incluidas en su libro del tesoro.

La poesía de Juan Carlos Mestre será el hilo conductor del próximo concierto del "Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S"" de un grupo de profesor@s del Conservatorio Profesional de Música de León que tendrá lugar el próximo martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León.

Más información

ÁLBUM MESTRE ILUSTRADOR

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA - JUAN CARLOS MESTRE

LATIDOS DESDE LA CASA ROJA - MÚSICA Y POESÍA - JUAN CARLOS MESTRE

Originally uploaded by juanluisgx

Ilustración original del poeta Juan Carlos Mestre sobre un ejemplar de su libro de poesía "La Casa Roja", libro que fue galardonado el año 2009 con el Premio Nacional de Poesía que concede el Ministerio de Cultura.

La poesía de Juan Carlos Mestre será el hilo conductor del próximo concierto del "Proyecto de Innovación Educativa "MÚSICA PARA TOD@S"" del Conservatorio Profesional de Música de León que tendrá lugar el próximo martes 4 de mayo en el Auditorio Ciudad de León.

Más información

ÁLBUM LATIDOS DE LA CASA ROJA

Latidos desde la casa roja

Estimado@s amig@s:
Mañana recibiremos la visita de Juan Carlos Mestre con quien prepararemos nuestro próximo concierto didáctico. El 4 de mayo de 2010 os esperamos de nuevo en el Auditorio Ciudad de León. Si quieres ver más fotos de los ensayos de esta nueva experiencia, puedes visitar el magnífico blog de Juan Luis.
FOTOBLOG DE JUAN LUIS GARCÍA
Saludos

Rectificación

Después de todo el trabajo de estos días, nos hemos dado cuenta de que en los programas de mano del concierto se nos pasó citar la intervención de nuestra compañera Estela Rodríguez. Que conste que nuestra especialista de Fagot, además de ser una excelente instrumentista y profesora, es una insustituible actriz tal y como ha demostrado el pasado miércoles. Mil gracias, compañera con tu aportación a este concierto. Hemos disfrutado y aprendido mucho contigo, no solo en este concierto, sino a lo largo de todo este proyecto en el que ya llevas dos años colaborando. Te ruego disculpes esta omisión e insisto: no hay palabras para agradecer tu generosidad, tu buen hacer y tu saber estar, en este equipo.
Conchi de Castro

Visiones de Hildegarda - A nuestr@s alumn@s y amig@s

Muchas gracias por vuestra asistencia amig@s. Ha sido un placer contar con el mejor público que podíamos tener.
QUIÉNES SOMOS
Imágenes © juanluisgx

Muchas gracias

Los participantes en este proyecto expresamos nuestro agradecimiento:

AL ÁREA DE PROGRAMAS EDUCATIVOS: Muchas gracias por la difusión de nuestras actividades.

AL TODO EL EQUIPO TÉCNICO Y HUMANO DEL AUDITORIO CIUDAD DE LEÓN: Muchas gracias por haber puesto al "coloso" a nuestra disposición. Hemos aprendido mucho con vuestra profesionalidad. Muchas gracias por vuestras gestiones, paciencia y atención.

A JOSE Mª LLAMAZARES, ASESOR DE ARTÍSTICAS DEL CFIE DE LEÓN: Muchas gracias por tu labor de gestión en nuestro proyecto. Sin tu labor y recomendaciones no tendríamos "Música para todos".

AL ÁREA DE TEATRO DE LA ESCUELA DE MÚSICA DEL AYTO. DE LEÓN. Muchas gracias Isabel, ha sido un placer poder colaborar con vosotros.

A LOS INSTITUTOS Y COLEGIOS ASISTENTES: Muchas gracias a todos aquellos profesores que habéis mostrado interés en nuestro proyecto y por el esfuerzo extra que os ha podido suponer. Esperamos vuestras impresiones y las de vuestros alumnos con muchas ganas e interés.

A NUESTROS COMPAÑEROS DE CONSERJERÍA: Muchas gracias por vuestra paciencia y apoyo continuo a lo largo de nuestros ensayos y preparativos. Un beso enorme para Maite, Meli, Loli y Jose Manuel.

A NUESTROS COMPAÑEROS, PROFESORES DE NUESTRO CENTRO: Muchas gracias por vuestra asistencia, apoyo y colaboración en nuestra activdad, más en un momento del curso en el que todos tenemos tanto trabajo. Contamos con vosotros en futuros proyectos.

MUCHAS GRACIAS A LAS CONGREGACIONES DE LAS CARBAJALAS Y LAS CONCEPCIONISTAS POR SU CONTRIBUCIÓN AL ATREZZO DE NUESTRO CONCIERTO MUJERES CREADORAS: LAS VISIONES DE HILDEGARDA.

MÁS ENSAYOS DE MUJERES CREADORAS

FOTOBLOG DE JUAN LUIS

Como siempre, muchas gracias.

Notas al programa para los alumn@s de Secundaria

No. No se trata de eso.

No se supone que vamos a estar aquí sentados solamente porque la música de las mujeres compositoras ha estado olvidada; guardada en un cajón durante cien, doscientos o quinientos años. Seguro que lo estabais pensando. Pero no. Nadie querría calentarse los oídos con cadáveres sonoros que hace tiempo que no interesan a nadie. Si queremos escucharlo, si lo hemos traído aquí, es por otra razón.

¿Qué razón? Pues que estas mujeres se jugaron la piel y se partieron la cabeza por su música. Burlando a sus familias, a la sociedad cruel en la que vivían y que no les dejaba elegir qué era lo que querían ser, estudiaron instrumentos, trabajaron como fieras para poder componer, se quedaron miopes escribiendo a la luz de las velas por la noche y se convirtieron en expertas actrices delante de sus parientes.. ¿para qué? Para ocultar lo mejor de ellas mismas, para esconder su propio talento como si fuese algo de lo que lamentarse. ¿Os imagináis a Alicia Keys o a Amy Winehouse teniendo que decir a sus padres que se iban de excursión con el instituto para poder hacer sus primeros conciertos, o escondiendo instrumentos musicales debajo de la ropa en el armario? Pues esto es lo que pasaba antes del siglo XX. Es más; sigue pasando en algunos países incluso ahora. ¿Creéis que debemos quedarnos calladitos permitiendo esta injusticia? Nosotros hemos creído que no.

Este esfuerzo, esta pasión de las mujeres por poder expresarse y ser libres es lo que suena en su música, tan viva y tan rebelde. Vale, es verdad que hay cosas que a vuestros oídos no les parecerán tan rebeldes, porque suenan a clásico. Esto os pasará con la música de Clara Wieck. Pero sí que podréis disfrutar; porque tiene una melodía de esas que se pegan y que podéis reconocer cada vez que aparece de nuevo. El trío de Louise Farrenc es de la misma época (las dos fueron pianistas muy famosas en el siglo XIX) y en él lo que os va a gustar es el ritmo del Scherzo. Ese palabro italiano se pronuncia “Squertso” y significa chiste. La música es graciosa y suena a broma (elegante y fina; claro, no a lo bestia como en los chistes españoles). También es de ese tipo la música de Madeleine Dring.

Las compositoras pianistas no querían ser solamente buenas pianistas, sino demostrar que podían tocar tan rápido y fuerte como los hombres, casi como si fuesen deportistas. Eso lo podréis ver y oír en la Tocatta de Cécile Chéminade; tan difícil y tan deprisa que casi no os dará tiempo a ver los dedos del pianista mientras toca. En cambio, en el ballet Pierrette, podréis imaginar los pies de los bailarines en esos mismos dedos, y con un poco de atención, también oiréis el canto de los pájaros en la obra para flauta y guitarra de Ina Bottelier.

Hemos traído también música de compositoras que siguen vivas y que nacieron en un siglo XX que les dejó dedicarse a lo que querían. Espero que os guste el jazz clásico y la música de baile: esa es la música que componen Pamela Wegwood y Elizabeth Raum. Os sorprenderá Sofía Gubaidulina con las tres piezas cortas para piano; los “juguetes”. Son como una bofetada de música: llega de forma imprevista y rápida y deja una impresión muy fuerte. Pero para bofetada, mejor un terremoto completo; que os parezca que la tierra tiembla bajo vuestros pies y caen las paredes: lo ha escrito Belén, la misma pianista que lo interpreta para vosotros y espera que así todos compartamos el miedo y la angustia que vivieron las personas en Haití hace poco más de un mes. Si esto nos hace mejores personas y pelear por un mundo más justo, habrá merecido la pena.

Nos gustaría conocer tus impresiones de este concierto a través de algo más
personal. Para ello te proponemos una de estas dos opciones:
 Realiza un dibujo, fotografía, montaje, collage, o trabajo en cualquier otro formato plástico con tus impresiones sobre esta experiencia.
 Escribe un comentario crítico, de quince a veinte líneas sobre el tema de este concierto o tu opinión sobre esta experiencia.

Publicaremos vuestros mejores trabajos en nuestro blog.


Notas al programa © Elisa Rapado
Propuesta de actividad © Conchi de Castro

Notas al programa para los pequeños

Hace mucho tiempo, en un tiempo en el que la bombilla, el móvil y los ordenadores ni siquiera se habían imaginado, las personas hablaban. Como no había tele en las casas, las aficiones favoritas eran la buena conversación y hacer música juntos, en compañía de amigos o de familiares. Naturalmente; había niños que destacaban enseguida por sus buenas cualidades para la música y a ellos se les permitía estudiarla y llegaban a ser, en algunos casos, músicos famosos. Pero también eran tiempos duros e injustos; porque si una niña tenía estas buenas cualidades, no se le dejaba estudiar música.

Ahora, cuando ya casi no nos acordamos de que esto pasaba, y tanto los niños como las niñas pueden estudiar lo que más les gusta -como por ejemplo, música en el conservatorio-, algunos profes nos hemos puesto a rebuscar en el cajón de las composiciones perdidas y olvidadas, en donde encontramos muchas obras hechas por mujeres. Ya hace tres años que revolvemos en él, y cada vez aparecen nuevas maravillas. Así que las rescatamos, dejamos que nos hablen al oído y, cuando comprobamos que son bonitas y especiales, pensamos enseguida en vosotros y en que os gustaría oírlas.

¿Sabéis qué es lo que hace que una partitura nos guste enseguida y la recordemos con facilidad? Estoy segura de que todos sabéis que lo que nos gusta más rápidamente es la melodía; una línea musical que suele repetirse mucho; a veces con pequeños cambios. Si estáis atentos, eso es lo que os hará disfrutar del Trío de Clara Wieck. Su música es lírica y un poquito triste. En algunos momentos, os parecerá que los tres instrumentos se pelean: eso es así porque cada músico quiere ser el que toca la melodía. El trío de Louise Farrenc es de la misma época: Clara y Louise se conocían y fueron pianistas muy famosas en el siglo XIX. En su Trío os va a hacer bailar el ritmo del Scherzo, palabra italiana que ya conocéis y que significa chiste. La música es graciosa y suena a broma (elegante y refinada); algo que también pasa en la música de Madeleine Dring.

No sé si os he dicho que las compositoras pianistas no querían ser solamente buenas pianistas, sino demostrar que podían tocar tan rápido y fuerte como los hombres, casi como si fuesen deportistas. Eso lo podréis entender en la Tocatta de Cécile Chéminade; tan difícil y tan veloz que casi no os dará tiempo a ver los dedos de Fernando -el pianista- mientras toca. En cambio, en el ballet Pierrette, esos mismos dedos se transformarán en cosquillas que hacen saltar los pies de los bailarines. Con otro poco de imaginación, también os hará una caricia en el oído el suave, alegre canto de los pájaros de la obra para flauta y guitarra de Ina Bottelier.

Hemos traído también música de compositoras que siguen vivas y que nacieron en un siglo XX que les dejó dedicarse a lo que querían. Espero que os guste el jazz clásico y la música tradicional de baile: esa es la música que componen Pamela Wegwood y Elizabeth Raum. Os sorprenderá Sofía Gubaidulina con las tres piezas cortas para piano; los “juguetes”. Son como una corriente eléctrica de música: llega de forma imprevista, a toda velocidad y deja una impresión muy fuerte. Pero para corriente eléctrica, mejor un terremoto completo; que os parezca que la tierra tiembla bajo vuestros pies y caen las paredes: lo ha escrito Belén, la misma profesora y pianista que lo interpreta para vosotros. Ella espera que así todos compartamos el miedo y la angustia que vivieron las personas en Haití hace poco más de un mes, y que esto nos ayude a ser todos un poquito más solidarios y mejores personas.

Notas al programa © Elisa Rapado

Notas al programa

El programa que vamos a escuchar esta tarde recoge, como ya viene siendo habitual en los últimos años, una selección de las piezas escritas por mujeres que nos parecen más interesantes o atractivas, no sólo desde un punto de vista musicológico, expositivo o reivindicativo, sino muy especialmente por sus propias cualidades artísticas.

El rango histórico que abarcan estas composiciones es menor que en otros años: nos hemos centrado, quizá inevitablemente -en razón de su cantidad y calidad-, en la música de los siglos XIX y XX. Sin embargo, la sensación de variedad estilística es quizá más amplia que en los encuentros anteriores. Esto procede en parte de los múltiples motivos de inspiración de estas mujeres, que contrastan entre sí: si bien existe un concepto de la naturaleza como algo amable, representada en los luminosos pájaros que cantan en la obra de Ina Bottelier, nuestra compañera Belén Ordóñez se ha sentido conmovida también por su despiadada, aterradora fuerza. También se atiende a la danza que, a través de la talentosa pianista francesa Cécile Chéminade, suena tan refinada e irresistible como el propio personaje de Pierrette; la coqueta Colombina de la Comedia del Arte. En cambio, la idea de baile en la Polca de Elisabeth Raum (conocida oboísta y prolífica autora contemporánea) elude las implicaciones cultas del ballet y es deudora de la música popular.

Un universo sonoro forjado en poco más de cien años separa la concepción del piano de Cécile Chéminade de la de Sofía Gubaidulina; una de las artistas musicales más importantes de la actualidad. Lo que para Chéminade es furia sonora; un desafío técnico que incluye abarcar grandes espacios y asumir retos -según podemos escuchar en la difícil Toccatta en do mayor-, para Gubaidulina se transforma en un juego, no por ello menos ambicioso o interesante. Nuestro compañero Héctor Sánchez ha seleccionado tres evocaciones, breves y evanescentes, cuya impresión vívida se basa también en esta fugacidad.

Conceptualmente hablando, es cierto que el Trío para piano y cuerdas de Clara Wieck y el de Louise Farrenc no suponen un verdadero contraste. Sin embargo, y a pesar del aprecio que el marido de la compositora alemana (Robert Schumann) expresó hacia las obras de Louise a través de su faceta como crítico musical, hay ciertas diferencias en la escritura de estas dos pianistas, que en su momento fueron consideradas entre las más célebres de Europa. El trío en sol menor de Clara es una de sus creaciones más conocidas y debe su fama a una emocionante evolución melódica, basada en una estructura amplia y compleja, de cuatro movimientos. En el allegro inicial; un tema nostálgico, de apariencia sencilla y confiado al violín, vive una fuerte transformación lírica y dramática, hasta que culmina en la apasionada coda final. La escritura es muy rica en términos polifónicos y, como en el Scherzo de Louise Farrenc, se confía al piano un importante papel constructivo. De la citada obra de Farrenc cabe señalar que contrasta el humor característico del scherzo con el claroscuro que le confiere la tonalidad menor.

Por último, resaltaremos el juego jazzístico tan característico de la música de Pamela Wegwood, tan sonriente como efectiva; y la vitalidad radiante del trío de Madeleine Dring. La invocación de ambas a la alegría de vivir quizá haga más dura la reflexión que Belén Ordóñez ha querido compartir con nosotros con motivo de la profunda conmoción que han supuesto para ella el terremoto haitiano y sus consecuencias.

Notas al programa © Elisa Rapado

Carta a los asistentes de Mujeres Creadoras: Las visiones de Hildegarda

Estimados amig@s:

Los participantes del PIE “Música para todos” deseamos manifestar nuestro agradecimiento por vuestra participación en nuestra próxima actividad: Mujeres Creadoras: Las visiones de Hildegarda en el Auditorio Ciudad de León el próximo 24 de marzo de 2010. En base a obtener el máximo partido a esta experiencia nos gustaría solicitar vuestra colaboración en algunos aspectos que consideramos podrían perjudicar el desarrollo de la misma:

• Rogamos el máximo de puntualidad siempre que las circunstancias lo permitan. Nuestro concierto dará comienzo a las 12:30h y a las 19:00h, por lo que sería recomendable que los alumn@s se encontraran en el Auditorio con el tiempo suficiente para estar acomodados en la sala antes de esa hora.
• Para un mejor aprovechamiento rogamos no se aplauda entre las intervenciones y se limite esto a la finalización de la actividad.
• Rogamos que se evite, en la medida de lo posible, el acceso de los alumnos a la Sala con mochilas, móviles, etc.

Os recordamos que en nuestra Guía didáctica hay una actividad con la cual poder trabajar aspectos del comportamiento del público.

Por último, nos gustaría conocer vuestras impresiones y aportaciones, así como las de vuestros alumn@s. Estaremos encantados de recibir tanto las encuestas de evaluación para profesores y para alumnos, como cualquiera de las producciones de vuestros alumnos, con anterioridad al 14 de abril, por correo ordinario o mail:

A/A Conchi de Castro
Conservatorio Profesional de Música de León
C/ Santa Nonia, 11
24003 LEÓN
e-mail: conchidecastro@yahoo.es

Esperamos que esta experiencia sea de vuestro agrado así que de nuevo, muchas gracias por vuestra participación y colaboración.

Saludos.

Profesor@s PIE “Música para todos”

Muchas gracias, Uxue

Los profesores del PIE desemos expresar nuestra gratitud a Uxue Uriz, profesora de Pedagogía del Conservatorio Superior de Música de Pamplona, que estos días ha trabajado con nosotros. Ha sido un lujo poder contar con la presencia de esta mujer, que posee una dilatada experiencia en la preparación y puesta en marcha de proyectos pedagógicos y conciertos didácticos. Un año más, Uxue, muchas gracias por tu ánimo, tus valiosísimos consejos y por supuesto por tu presencia en nuestro proyecto.

También damos las gracias a Txema, nuestro asesor en el CFIE. Sin tu colaboración esto sería imposible.

Profesores del PIE

PROGRAMA DE REPERTORIO

Os recordamos que en la sección los intérpretes nos cuentan los profesores participantes nos ofrecen anécdotas, información relevante sobre el repertorio de este concierto y sobre las compositoras. De la misma forma, aprovechamos para recordar que este concierto tendrá lugar en el Auditorio Ciudad de León, el 24 de marzo en dos sesiones a las 12:30h de la mañana y a las 19:00h por la tarde. Las entradas para los alumn@s, profesor@s, padres y madres y comunidad educativa del Conservatorio Profesional de Música de León, estarán disponibles en la Conserjería de nuestro centro a partir del 16 de marzo.


PROGRAMA DE MANO

Y además fotos de los últimos ensayos

© juanluisgx

Un millón de gracias, Juan Luis

Información programa de repertorio

Os recordamos que el próximo 24 de marzo de 2010 tendrá lugar em el Auditorio Ciudad de León el Concierto "Mujeres Creadoras: Las visiones de Hildegarda" en dos sesiones a las 12:30h para alumn@s de secundaria y Bachillerato y a las 19:00h para nuestr@s alumn@s y público en general. En breve, os facilitaremos más información sobre el programa de repertorio, adquisición de entradas, etc. De momento, hemos abierto una nueva sección en este espacio los intérpretes nos cuentan en el que podréis descubrir algunos aspectos sobre las compositoras y su obra de mano ni más ni menos de quienes interpretarán las obras y piezas. También podéis consultar la Guía didáctica.
Conchi de Castro

Sobre Pam Wedgwood

Para los peques:
Cuando escuchéis la pieza para saxo y piano de Pamela Wegwood os parecerá estar viendo una película o serie americana. Esto es así porque Pamela imita el jazz; la música típica de los negros que viven en América (los llamados “afroamericanos”).

Para los mayores:
La música de la británica Pamela Wedgwood es una muestra de sus inquietudes pedagógicas y su apertura a otros lenguajes sonoros: en las obras de hoy Talk Walk y Sometiem Maybe encontramos acordes y escalas que recrean el jazz.

© Elisa Rapado

Cuando la tierra grita

ESCOMBROS I (HAITÍ, 2010)
(para piano)



Unos minutos de reflexión interior.




(sin comentarios)

© Belén Ordóñez

Cécile Chaminade: una compositora ignorada

En el verano de 1865, un joven músico francés llamado Georges Bizet conoce en la ciudad francesa de Vésinet a una niña de ocho años, llamada Cécile Louise Stephanie, hija del financiero Monsieur Chaminade, que le deja asombrado por sus cualidades musicales precoces, debido a las cuales llamaría en adelante a la pequeña “mon petit Mozart”. Cuarenta años más tarde, esta niña sería ya una dama en cuyo nombre y honor se fundarían cientos de clubs femeninos en Estados Unidos, cuyas partituras serían vendidas por miles, y hasta daría nombre a una línea de cosméticos femeninos. Aquella niña fue, en definitiva, la primera mujer que vivió de componer música. Había nacido en París el ocho de agosto de 1857. Su madre, que era una buena aficionada a la música, como muchas mujeres de la burguesía por entonces, se ocupó de la iniciación musical de su hija.
El joven Bizet, habitual visitante de la familia Chaminade junto con otros músicos célebres, no se equivocó en absoluto al recomendar encarecidamente que aquella diminuta genia tenía que seguir estudios musicales más allá del ámbito familiar. Su padre, sin embargo, tenía otra idea acerca de lo que la música podía significar para una mujer de su clase. Se opuso enérgicamente y declaró que una mujer burguesa sólo podía ser una buena madre y esposa. Tanto le lloraron madre e hija, tanto rogó Bizet como amigo de la familia, que el padre, unos años después consintió en que la jovencita acudiera a tomar lecciones con reputados maestros de la época, con la única condición de que esas clases fueran privadas, es decir, recibidas en absoluta soledad. No pudo Cécile compartir con otros condiscípulos sus avances y experiencias, ni aprender en la interrelación que es siempre una clase colectiva. No vivió, por supuesto, el ambiente musical del Conservatorio de París. Tampoco pudo variar apenas de maestro. Benjamin Godard fue su maestro más constante e influyente. Sin embargo, desde que tocara a los ocho años unas pequeñas piezas sacras que ella misma había compuesto para su primera comunión, las que fueron el asombro de Bizet, no dejó nunca de ser alabada y celebrada como compositora e intérprete, lo que no impedía que ella en muchas ocasiones no se mostrara demasiado segura de sus cualidades creativas; no debe asombrarnos tal cosa, porque hay que considerar estas dudas, por una parte, las propias del propio proceso creador y, por otra, el hecho de ser una verdadera pionera en cuanto a su camino como compositora de éxito mundial; muchas mujeres antes se habían dedicado a la música como intérpretes, bien en el ámbito público, pero sobre todo en el ámbito privado del hogar o de los conventos; pocas, sin embargo, habían podido desarrollar su labor creativa como compositoras, pero desde luego a ninguna se le había permitido una carrera pública en este sentido. Tenemos el estremecedor ejemplo de Fanny Mendelssohn o de Alma Mahler, que sufrieron todos los prejuicios de su época y no pudieron desarrollar sus cualidades musicales como debían, por el simple hecho de ser mujeres. El caso de Cécile Chaminade se convierte entonces en un primer ejemplo paradigmático de mujer compositora con una carrera propia y exitosa.
[...] La admiración por sus composiciones alcanzó a tanto que se fundaban clubs femeninos de admiradoras, y no sólo de su música, sino de su talante y estilo como mujer. En uno de esos clubs se llegó a formar un acróstico con sus iniciales que la definía como ideal de mujer profunda, creativa, casi con un cariz místico.
C – Concentrado y concertado esfuerzo.
H – Harmonía de espíritu y trabajo.
A – Artísticos ideales.
M – Mérito musical mantenido.
I - Inspiración.
N – Notas.
A – Ardor y aspiración.
D – Devoción por el deber.
E – Empeño honorable. [...]

Si quieres saber más sobre esta mujer pincha en el siguiente enlace:

CÈCILE CHAMINADE

© Fernando Pariente

Cartel Mujeres Creadoras: Las visiones de Hildegarda

© juanluisgx

Sobre el Trío de Clara Wieck

"No me pareció la melodía más brillante ni la más interesante, acostumbrada a las extraordinarias progresiones de Brahms, a las que tanto se parece sin ser una de ellas, pero en una lectura más profunda me impresionó su evolución, conmovedora y apasionada; el camino que recorría, poblado de paisajes tan especiales: un esperado contratema en si bemol mayor (tan delicioso como intensamente lírico), una isleta en re mayor, sorprendente y schubertiana, aquel fornido desarrollo en el que la lucha por el dominio de timbres se hace difícil por haber sido escrita para un piano más delgado y débil.. culmina el desarrollo con un cálido dúo de amor; tan deudor de la escritura schumanianna (¿por qué habríamos de negarlo?) como precursor de un tal Rachmaninov. También la textura densa y cargada de riqueza polifónica nos ambientan en un momento concreto, en un siglo poblado de contrastes emocionales, de nostalgias infinitas, imposibles".

© Elisa Rapado

Mujeres, música y sociedad

Afortunadamente, son cada vez más los expertos que están realizando una labor de investigación profunda sobre la música compuesta por mujeres. Prueba de esto son por una parte, la cada vez más abundante bibliografía disponible o incluso la información que sobre la producción musical femenina se puede encontrar en Internet; y por otra parte, la acción ejercida por distintas instituciones, editoriales y asociaciones en la publicación, difusión y organización de actividades relacionadas con la creación femenina.

Desde su papel como transmisoras de la tradición oral (y con ello también de la tradición musical) en los diferentes contextos sociales, históricos o culturales hasta su aportación como reconocidas intérpretes, las mujeres han participado en o con la música, en tanto en cuanto la misma ha sido, es y siempre será una necesidad de expresión inherente en el ser humano. Indudablemente nadie cuestiona la presencia de la mujer en determinados campos de la acción musical, en los que por decir de algún modo, su acceso parece haber sido menos restringido. Pero, ¿qué ha pasado con la creación propiamente dicha?; ¿y con otros aspectos del fenómeno musical?; o incluso tampoco sobra preguntar ¿siempre ha sido así o quizás la musicalidad de las mujeres ha sido en unas sociedades o épocas más evidente que en otras?.

No cabe duda que estas cuestiones y otras similares que podrían plantearse, están relacionadas con la propia historia de la mujer y su dimensión social. Hoy por hoy, en nuestra supuestamente avanzada sociedad occidental, en la que los derechos sociales de las mujeres se van afianzando más de lo que nunca antes lo estuvieron, todavía persisten determinadas resistencias, demasiadas veces escondidas por subsuelos, que impiden una normalización real de la actividad de la mujer y limitan su verdadero potencial.

En lo que a la música se refiere, esto se manifiesta por ejemplo, en la escasa presencia de música compuesta por mujeres en las programaciones anuales de auditorios o en el repertorio habitual de orquestas. Más paradójico si aún cabe, es observar como esta música constituye todavía una parte ínfima de los contenidos en las programaciones didácticas de escuelas de música y conservatorios. Incluso, con más frecuencia de lo que quizás nos podríamos imaginar, todavía hay quien por puro y duro desconocimiento expresa con una cierta sorpresa: Pero, ¿es que existen mujeres compositoras?.

Como se puede comprobar, todavía es mucho lo que queda por hacer, tanto en lo musical y artístico, como en otras áreas del conocimiento donde la mujer o bien no ocupa el lugar que le corresponde o bien su capacidad se ve aún pobremente desarrollada cuando no bloqueada. Es obvio, que tanto para paliar esto, como para lograr la consolidación de los derechos de la mujer en el mundo actual (sobre todo en aquellas sociedades donde éstos son más gravemente vulnerados) será preciso el adecuado apoyo institucional a la investigación, a la educación, a la concienciación, y como no a la difusión de la producción femenina, pero también requerirá un compromiso firme por parte de toda la sociedad. De todos nosotr@s dependerá que el talento, sin distinción de género, sea el auténtico recurso con el cual hacer frente a los retos que nos plantea ya, tanto el presente como el futuro.

© Conchi de Castro

Guía didáctica Mujeres Creadoras Las visiones de Hildegarda

Ya está disponible la guía didáctica de nuestro próximo concierto, pincha en el enlace para consultar datos, información y actividades.

GUÍA DIDÁCTICA MUJERES CREADORAS LAS VISIONES DE HILDEGARDA

Repertorio de compositoras clasificado por cursos

En el siguiente enlace podréis ver una selección de obras de compositoras clasificadas por cursos. Son piezas para flauta travesera y piezas para piano. La clasificación ha sido realizada por las profesoras del CPMUS de León: Lola Moreno, Mariló Gutiérrez y Conchi de Castro, en el caso del Piano; y por la profesora del CPMUS de Ponferrada María Bermejo, en el caso de la flauta travesera.

REPERTORIO DE COMPOSITORAS POR CURSOS

En breve incluiremos más especialidades

Novedades Concierto Mujeres Creadoras Las visiones de Hildegarda

CONCIERTO, 24 DE MARZO DE 2010
AUDITORIO CIUDAD DE LEÓN
SESIONES:
PARA ESCOLARES A LAS 12:30H
PARA NUESTROS ALUMN@S, NUESTRA COMUNIDAD EDUCATIVA Y PÚBLICO EN GENERAL 19:00H

ESTÁIS TOD@S INVITADOS

PRÓXIMO ENSAYO EN EL AUDITORIO ÁNGEL BARJA
MARTES 2 DE MARZO DE 2010 10 H.

MUCHAS GRACIAS A NUESTRA EXCELENTE GESTORA Mª JESÚS Y TAMBIÉN A LA COLABORACIÓN DE NUESTRA COMPAÑERA RAQUEL

Ensayando "Mujeres creadoras-Las visiones de Hildegarda"

FOTOBLOG DE NUESTRO ARTISTA JUAN LUIS GARCÍA

Presentación Mujeres Creadoras

A continuación podéis disfrutar de la presentación histórica de algunas de las mujeres compositoras más importantes de nuestra historia. Esta presentación ha sido realizada y editada por Lola Moreno, profesora de Piano del Conservatorio Profesional de Música de León, participante en nuestro Proyecto de Formación el curso pasado y de colaboradora de nuestro proyecto en el presente.

PRESENTACIÓN MUJERES CREADORAS I
PRESENTACIÓN MUJERES CREADORAS II

Muchas gracias, Lola.

Ensayos Mujeres Creadoras

Ya estamos preparando nuestro próximo concierto didáctico "Mujeres Creadoras". Tendrá lugar en al Auditorio Ciudad de León, el próximo 24 de marzo de 2010. Estáis tod@s invitados. Como siempre, Juan Luis deja constancia de todo nuestro "backstage" con sus magníficas fotos. Las fotos han sido realizadas en el Auditorio Ángel Barja, el 9 de febrero de 2010. En nombre de tod@s: Muchísimas gracias.

ENSAYANDO REHEARSING de Juan Luis García

Próximos conciertos

El Equipo de Profesores de este proyecto estamos a pleno rendimiento en la preparación de los próximos conciertos. En breve, se publicará información nueva con datos, guías, repertorio, etc. Muchas gracias a todos por vuestras aportaciones.

Conchi de Castro

Bienvenida al curso 2009-2010

Hola de nuevo a tod@s:

Desde nuestro recién estrenado Proyecto de Innovación Educativa "Música para todos" damos la bienvenida a tod@s aquell@s que se acerquen a este espacio, para conocer nuestras actividades. Aquí publicaremos toda la información relacionada con los Conciertos Didácticos, esto es, repertorio, notas al programa, biografías, actividades de preparación, fuentes utilizadas, etc. Como novedad este año, os comunicamos que además de los conciertos programados en el Auditorio "Ángel Barja", se celebrarán dos conciertos en el Auditorio Ciudad de León. Próximamente, proporcionaremos más información. Por último, deseamos expresar desde aquí todo nuestro agradecimiento a aquellos que han hecho posible la transformación y continuidad de este proyecto un curso más.

Muchas gracias por vuestra atención.

Agradecimiento

Todos los participantes en el PFC "Música para todos" del CPMUS de León deseamos expresar nuestro agradecimiento a todos aquell@s que habéis asistido y apoyado nuestras actividades. Esperamos continuar con este proyecto en el próximo curso académico.

Saludos.

Programa de concierto "El maleficio de la mariposa"

AMBIENTE ANDALUZ

· Las morillas de Jaén (canción popular del s. XV armonizada por Lorca)

Mercedes Diez (piano) y Samuel Rodríguez (trombón)

· Al Andalus (Medina)  de J. Mourat

Juan Luis García (guitarra) y Raúl Sancho (Flauta)

· Serenata Andaluza  de M. de Falla

Fernando Pariente (piano)

· Homanaje de Debussy  de M de Falla

Juan Luis García (guitarra) y Raúl Sancho (Flauta)

AMBIENTE FRANCÉS

· En Bateau (Petite Suite)  de Debussy

Fernando Pariente (piano) y Raúl Sancho (Flauta)

· Laideroinnette, Impératrice del pagodes (Ma mère l’oye)  de Ravel

Fernando Pariente (piano) y Elisa Rapado (piano)

AMBIENTE NEOYORQUINO

· Elegy for Mippi  de L. Bernstein

Samuel Rodríguez (trombón)

· The Man I Love  de Gershwin

Fernando Pariente (piano)

· Suite de Jazz (mov. I) de W. Duarte

Juan Luis García (guitarra) y Raúl Sancho (Flauta)

· Perludios americanos  de A. Ginastera

   Danza criolla

   Homenaje a Juan José Castro

   Homanaje a Roberto García Morrillo

   En el primer modo pentatónico menor

Belén Ordónez (piano)

 

AMBIENTE ARGENTINO

· Tango del 9 de Julio  de E. Nazareth

Belén Ordónez (piano)

· Café 1930  de A. Piazzola

Juan Luis García (guitarra) y Raúl Sancho (Flauta)

 

MUERTE EN ESPAÑA

· Cuando yo me vaya (Album de la juventud)  de A. Barja

Belén Ordóñez (Piano)

El maleficio de la mariposa - Impresiones lorquianas

Cartel y programa elaborado por Juan Luis García

GALERÍA DE IMÁGENES

Actividades - Mujeres creadoras

Puedes realizar las actividades relacionadas con este concierto:

http://zunal.com/webquest.php?user=25635


Elaborado por Concepción de Castro

Biografías de las compositoras

ANA AMALIA DE PRUSIA (1723-1787)
La hermana menor del rey Federico el Grande, mecenas, intérprete y compositora, no sólo ha pasado a la historia por su variada producción que incluye música coral, arias, lieder, sonatas y marchas, sino por su tarea como apasionada patrocinadora de las artes. Esta instrumentista que dominaba entre otros el órgano, el violín y la flauta, comenzó a estudiar composición con Johann Phillipp Kirnberger, alumno de Bach, que la inició en el arte del contrapunto. A partir de ahí, su pasión por la música de Bach la llevó a crear la Amalien Bibliothek en la que reunió música de Bach, Haendel, Kirnberger y Palestrina entre otros, incluyendo tanto manuscritos y partituras originales como copias que la propia princesa encargó para conservar para la posteridad

CLARA WIECK (1819 – 1892)
Esposa del compositor Robert Schumann estudió piano y composición con su padre, Friedrich Wieck,. Con tan sólo nueve años era una virtuosa del piano. Fue ella quien presentó en concierto público por primera vez las 32 sonatas para piano de L. van Beethoven. En 1830, Clara compuso su primer lied y antes de casarse con Schumann ya había escrito varias polonesas, valses, romanzas, un primer concierto para piano y orquesta (del que hoy escucharemos la Romanza) y un trío para violín, violoncello y piano, pero no hay ninguna composición de los años en los que vivió al lado de Robert. Probablemente, por amor a su marido (aquejado de continuas crisis nerviosas) sacrificó su talento como compositora en esta etapa, dedicándose a enriquecer y difundir el repertorio compuesto por Robert. El estilo compositivo de Clara Wieck es claramente diferenciado del de su marido siendo en las obras de su último período donde se asientan una madurez y musicalidad propias.

LOUSE ADOLPHA LE BEAU (1850-1927)
Iniciada en la música con los maestros Lachner y Rheinberger, realizó una importante carrera como concertista de piano que posteriormente centró en la pedagogía y la composición. Fue una de las mujeres más respetadas en la Alemania de su tiempo, tanto en su faceta de intérprete como de compositora, tal y como se muestra en muchos artículos y críticas de las revistas especializadas de esa época. Su personalidad le permitió seguir escribiendo música, cuestionar el papel de la mujer como creadora que hasta entonces se había impuesto y batallar por abrir un hueco para la música creada por mujeres. Sus ideas son defendidas hoy en día en Alemania por la organización Frau und Musik, en la que se agrupan compositoras, intérpretes, profesoras de música, directoras de orquesta y críticas.

ALMA MARÍA SCHINDLER MAHLER (1879-1964)
La compositora Alma María Schindler creció en el fascinante entorno de la Viena de entre siglos, rodeada de artistas; por citar un ejemplo, entre los amigos de su padre estaban el pintor Gustav Klimt, que realizó varios retratos de ella. Recibió una esmerada educación musical que incluyó entre otros al pianista y organista Josef Labor y al compositor Alexander von Zemlisky. En 1902, se casó con el compositor y director Gustav Mahler, que en un principio trató de limitar su actividad creadora., como pintora y compositora, aunque finalmente mostró verdadero interés por la obra de su mujer. La apasionante vida de esta fascinante mujer, que se casó en dos ocasiones más (con el arquitecto Walter Gropius y con el dramaturgo Franz Werfel), musa y amiga de artistas (Óskar Kokoschka, Alban Berg) y muy ligada a la intelectualidad de su época inspiró la película La novia del viento. La música de Alma Mahler, fundamentalmente sus lieder, suele describirse como agresiva y pasional con intervalos inusuales y constantes cambios de armonía, más cercana a la influencia de su maestro, von Zemlinsky, que a su propio marido.

GERMAINE TAILLEFERRE (1892-1983)
La única mujer del Grupo de los Seis, fundado y formado por Erik Satie, que la calificó como “su hija musical” , se formó en el Conservatorio de París, en donde se mostró como excelente pianista y ganó sucesivamente el primer premio en Contrapunto y Armonía (1913) y posteriormente en Fuga (1915). Es en esta época cuando conoció y se vinculó entre otros con los compositores Auric, Milhaud y Honegger, pero también con otros artistas como Guillaume Apollinaire, Paul Fort, Fernand Léger, Emmanuel Centore y más adelante con Picasso, Modigliani y Diaghliev. Merece también especial mención la influencia de Maurice Ravel (de quien recibió consejos sobre Orquestación) y de Sonia Delaunay. Su variada producción, que abarca desde óperas, ballets, música de cámara, canciones, conciertos para solistas y obras para piano hasta combinaciones poco comunes de voces e instrumentos (Concierto para dos pianos, coros mudos, saxofones y orquesta, 1934), se ha caracterizado por una continua evolución llegando a experimentar con la politonalidad, el sistema dodecafónico y el serialismo.

REBECCA CLARKE (1886-1979)
De madre alemana y padre americano, Rebecca Clarcke nació y se crió en Inglaterra en un ambiente, en donde a pesar del fuerte carácter de su padre, se potenciaron sus aptitudes musicales. Estudio en diferentes instituciones como la Royal Academy of Music y el Royal College of Music, donde fue una de las primeras alumnas de composición de Sir Charles Standford. Como intérprete de viola se formó con Lionel Tertis y llegó a ser la primera mujer admitida como profesional en la Queen's Hall Orchestra. No solo destacó como solista si no que realizó diversas giras como intérprete de música de cámara al lado de Myra Hess, Adila Fachiri, André Mangeot, Gordon Bryan, Adolphe Hallis, Guilhermina Suggia. La mayor parte de su producción se centra en sesenta arias o lieder para canto y piano y varios trabajos instrumentales en los que prima la presencia de su instrumento, la viola. Destacan su Trío para violín, violoncello y piano (1921) y la Sonata para viola y piano (1919). Las frases largas y el uso sofisticado de armonías y ritmos caracterizan la obra de esta mujer, considerada como una de las compositoras más importantes del período de entreguerras.

CARMEN ALONSO (1950)
Natural de León, realiza sus estudios musicales, en las especialidades de Piano y Solfeo y Teoría de la Música, en los conservatorios de León, Valladolid y Madrid con los maestros Joaquín Pildain, Daniel Bravo, Ángel Arias y Ángel Barja, habiendo recibido de éste último una especial influencia. Completa su formación con la realización de los cursos de posgrado en Musicoterapia, organizados por la Universidad del País Vasco y con la participación en los cursos de Metodología Kodály celebrado en Esztergom (Hungría). Su interés por la pedagogía le lleva a elaborar una gran cantidad de material didáctico, además de diversos trabajos para distintas agrupaciones instrumentales, voz y piano, etc. Entre su producción cabe destacar: “Tierra yerma” (1992), “Sonidos para un espacio” (1993) y el ciclo de piezas “Amanecer, Atardecer y Anochecer” (2005), “Intermezzo” (2006) para violoncello y piano; “Danza para una niña” (1980) “Luna de noviembre” (1992) y “El amor de Melibea” (2007) para piano; “Ave María” (1995), “Dos almas” (2008) para soprano y piano, “Agnus Dei” (2002) para flauta travesera, viola, violoncello y órgano; y “Fanfarria” (2001) para quinteto de metales, etc. En la actualidad es profesora del Conservatorio Profesional de Música de León en las especialidades de Lenguaje Musical y Piano Complementario.

PAMELA WEDGWOOD (1940)
Formada en el Trinity College of Music de Londres en las especialidades de trompa, violoncello, piano y composición, esta mujer ha centrado casi toda su actividad en la pedagogía. Desde hace años colabora de manera regular con la editorial Faber Music, para quien elabora repertorio para jóvenes instrumentistas y para principiantes adultos, utilizando elementos de lenguaje jazzísitico. Algunas de sus piezas publicadas con más éxito han sido Jazzin` About, Up grade! y It’s never too late to play piano. En la actualidad, es una de las compositoras que cuentan con más prestigio, realizando numerosos talleres de formación en esta área.

KAIJA SAARIAHO (1952)
La producción de esta artista finlandesa formada en Helsinki (en la Academia Sibelius), Darmstadt y París (en el IRCAM, uno de los centro más importantes en la creación y difusión de la música contemporánea) es tremendamente variada, abarcando desde música electrónica, electroacústica, incidental en la que ha incorporado la experimentación con el timbre de elementos tradicionales de la música nórdica y oriental, a otra de factura más tradicional y melódica en la que podemos encontrar un interesante catálogo de obras para diferentes agrupaciones instrumentales, vocales, ballet, ópera e incluso cine. Kaija Saariho ha recibido varios premios a lo largo de su carrera, que la confirman como una de las artistas más destacadas del panorama actual. Recientemente, ha concluido un encargo orquestal para la Filarmónica de Berlín. En la página web http://www.saariaho.org/, se puede encontrar información de gran interés sobre esta artista y su obra.

Elaborado por Elisa Rapado y Concepción de Castro

Notas al programa "Mujeres creadoras"

Para los mayores:

La investigación sobre la producción musical de mujeres durante los siglos previos al que vivimos surge en torno al año 1960; en un momento de replanteamiento de las tendencias tradicionales de estudio de la historia. Numerosas feministas reivindicaron entonces el estudio de estas composiciones no sólo por tratarse de obras en su mayoría desconocidas, sino por la variedad, interés y calidad de un repertorio que procedía de casi todas las épocas. Aun así, el perpetuo desafío que suponían las dificultades y prohibiciones para ver sus obras publicadas o interpretadas ha evitado que el arte de otras muchas talentosas mujeres haya llegado hasta nosotros.

La primera obra prevista en este programa se remonta al Barroco y es una página para flauta y continuo en vivo tempo allegro. Es muy posible que se escribiera para el hermano de la compositora; el emperador Federico; cuyas cualidades como intérprete de flauta al parecer nunca llegaron a ser excepcionales. Retomando las sonoridades de este tiempo, Germaine Tailleferre escribe su Forlane; inspirada en una danza del settecento, pero sin renunciar a una riqueza armónica propia de la vanguardia francesa de comienzos del siglo XX.

Las dos obras para violonchelo y piano, fruto de sendas virtuosas alemanas del piano, son similares en cuanto a la escritura brillante y de lucimiento para el instrumento solista. Como compositora, Luisa Adolpha le Beau adopta un lenguaje romántico heredado de su maestra Clara Wieck; quien a su vez había incorporado desde su juventud el melodismo característico de su marido, el compositor Robert Schumann. En cambio, el estilo abrupto y apasionado de Alma Mahler está más cerca del expresionismo que el del propio Mahler, quien, pocos años después de haber pedido a Alma que abandonase la composición para consagrarse a su matrimonio, le propuso retomar su trabajo para publicar sus Lieder de juventud. Los poemas seleccionados por Alma remiten a temas muy queridos por los alemanes: la confianza en el amado, la serenidad del hombre junto a las flores en la naturaleza; como símbolo de amor feliz, y la trascendencia. Alma compone con una gran variedad armónica y fuertes contrastes expresivos; posiblemente reflejos de una personalidad tan compleja como fascinante.

La música de Pamela Wegwood y Rebecca Clarke es una muestra de sus inquietudes pedagógicas y su apertura a otros lenguajes sonoros: en las obras de hoy encontramos acordes y escalas que recrean el jazz o la música china, por ejemplo. Aunque la escritura de Carmen Alonso muestra también el bagaje de su experiencia pedagógica por la importancia de la línea, su escritura para piano no es sencilla, pero sí cálida y expresiva.

Por último, Il Pleut de Kaija Saariaho muestra cómo se puede transmitir una vívida impresión emotiva (la lluvia asociada a una serena tristeza) con una idea sencilla; sin recurrir a la gran dificultad técnica característica de la mayoría de sus obras, pero sin renunciar a los medios de expresión contemporáneos.

Para los peques:

Hace mucho, mucho tiempo, cuando no había luz ni agua en las casas, y las familias se reunían por la noche para contar historias en vez de para ver la televisión, hombres y mujeres tenían que trabajar muy duramente en el campo, las granjas o en sus oficios como artesanos. Imaginaos lo difícil que era escribir música a la luz de las velas o tocar cualquier instrumento en invierno, sin calefacción. Pues bien: muy abrigados y con sus anchas pelucas blancas, los músicos trabajaban cada día en la composición y la interpretación. En este tiempo que llamamos el Barroco vivió Ana Amalia de Prusia; que regaló a su hermano, el rey Federico, la sonata para Flauta que escuchamos hoy. A él le gustaba mucho interpretar música con su flauta, aunque nunca llegó a ser un músico famoso. Podéis comparar esta música con la Forlane de Tailleferre porque; aunque su música es mucho más moderna, trata de imitar los ritmos de baile de la música barroca.

En la época de los grandes salones, de los jóvenes poetas, los soñadores y las revoluciones, vivió la famosa pianista Clara Wieck; esposa del compositor Robert Schumann, que a veces sufría mucho porque la fama de su mujer como pianista superaba a su propia fama como compositor. Su música llama la atención por la belleza de su línea, parecida a la de la música vocal. La música de Luisa Adolpha le Beau se le parece mucho; pues fue su maestra. Para que el público atienda con sorpresa y admiración; la parte del violonchelo es bastante difícil; llena de arpegios y cascadas de notas que suben y bajan. Este estilo de música con tantas trampas para el solista se llama “escritura virtuosística”.

Ahora vamos hacia el siglo XX; el siglo de los descubrimientos: el teléfono, la radio, el tren, pero también el estrés y las prisas... una vida de contrastes y cambios; como la música de Alma Mahler. Sus canciones son tan bonitas que cuando su marido Gustav Mahler las oyó; le pidió por favor que volviese a componer y publicar su música.

Cuando escuchéis la pieza para saxo y piano de Pamela Wegwood os parecerá estar viendo una película o serie americana. Esto es así porque Pamela imita el jazz; la música típica de los negros que viven en América (los llamados “afroamericanos”). Rebecca Clarke nos ha escrito en cambio un puzzle chino; lleno de las típicas escalas de cinco notas tradicionales de China.

A Kaija Saariaho la llaman “la gran dama misteriosa y soñadora”. Su música es poderosa y emocionante; puede hacer llorar, reír y hasta dar miedo.. En Il Pleut escucharemos llover a través de tristes gotas que bajan por cada tecla del piano; mientras oímos un bonito poema de Apollinaire.

Ahora os dejo bajo la luna de noviembre; la luz que nos iluminará escuchando la música melodiosa y soñadora de Carmen Alonso; que, como sabéis, no sólo es compositora sino también una querida profe y compañera del conservatorio.

Elaborado por Elisa Rapado